Gran selección de materiales de arte: lienzo, pintura, pinceles y material para Dibujar & Pintar. Las mejores marcas del mercado, ahorras tiempo en busca de estos materiales que necesitas, nuestra tienda es confiables y un servicio al cliente excelente, en nuestra tienda de arte, puedes comprar directamente mis pinturas en abstracto & dibujos. Compra en línea artículos especializados para arte, arquitectura y diseño, dibujo.
Categoría: TUTORIALES
Cursos de dibujo o pintura de forma gratuita con libros digitales sin costo.
Tendencias del arte moderno en 2024 de los mejores exponentes
El arte moderno es un campo en constante evolución, y el año 2024 no es una excepción. Aquí hay algunas tendencias que están ganando popularidad en el mundo del arte moderno:
Minimalismo maximalista: En 2024, el minimalismo da un giro atrevido con acentos maximalistas. Los artistas están adoptando líneas limpias y formas sencillas, al mismo tiempo que llenan su espacio de piezas llamativas y toques de colores intensos 1.
Arte digital: El arte digital se está convirtiendo en una forma cada vez más popular de expresión artística. Los artistas están utilizando tecnologías como la realidad virtual y la inteligencia artificial para crear obras de arte únicas y sorprendentes 2.
Arte sostenible: La sostenibilidad es un tema importante en el mundo del arte moderno en 2024. Los artistas están utilizando materiales reciclados y técnicas de producción sostenibles para crear obras de arte que sean respetuosas con el medio ambiente 3.
Arte colaborativo: Los artistas están trabajando juntos en proyectos colaborativos para crear obras de arte únicas y sorprendentes. Estos proyectos pueden involucrar a artistas de diferentes disciplinas y pueden ser una forma emocionante de explorar nuevas ideas y técnicas 4.
Los mejores exponentes del arte moderno en 2024
Hay muchos artistas talentosos en el mundo del arte moderno en 2024. Aquí hay algunos de los mejores exponentes del arte moderno que debes conocer:
Yayoi Kusama: Kusama es una artista japonesa conocida por sus instalaciones y esculturas. Su trabajo es conocido por su uso de patrones repetitivos y colores brillantes 5.
Ai Weiwei: Weiwei es un artista chino conocido por su trabajo en una variedad de medios, incluyendo la escultura, la fotografía y el cine. Su trabajo a menudo aborda temas políticos y sociales 6.
Kara Walker: Walker es una artista estadounidense conocida por sus siluetas de papel recortado. Su trabajo a menudo aborda temas de raza, género y violencia 7.
Takashi Murakami: Murakami es un artista japonés conocido por su trabajo en la pintura y la escultura. Su trabajo a menudo presenta personajes de dibujos animados y otros elementos de la cultura popular 8.
Explorar
¡Por supuesto! Aquí te presento un artículo de 1800 palabras sobre el arte moderno minimalista.
Tendencias del arte moderno minimalista en 2024
El arte moderno minimalista es una corriente artística que se caracteriza por la simplicidad y la reducción de elementos. En 2024, esta tendencia sigue siendo popular y se está adaptando a las nuevas formas de expresión artística. Aquí hay algunas tendencias que están ganando popularidad en el mundo del arte moderno minimalista:
Minimalismo digital: El minimalismo digital es una forma de arte que utiliza tecnologías digitales para crear obras de arte minimalistas. Los artistas están utilizando programas de diseño gráfico y animación para crear piezas minimalistas que se pueden mostrar en pantallas digitales 1.
Minimalismo orgánico: El minimalismo orgánico es una tendencia que se centra en la naturaleza y la simplicidad. Los artistas están utilizando materiales naturales y formas simples para crear obras de arte minimalistas que reflejan la belleza de la naturaleza 2.
Minimalismo conceptual: El minimalismo conceptual es una tendencia que se centra en la idea detrás de la obra de arte. Los artistas están utilizando formas simples y colores neutros para crear obras de arte minimalistas que transmiten un mensaje o una idea 3.
Los mejores exponentes del arte moderno minimalista en 2024
Hay muchos artistas talentosos en el mundo del arte moderno minimalista en 2024. Aquí hay algunos de los mejores exponentes del arte moderno minimalista que debes conocer:
Espero que esta información te haya sido útil. Si necesitas más ayuda, no dudes en preguntar. ¡Feliz escritura!
¡Hola! Para dibujar un ojo realista, hay varios tutoriales disponibles en línea. Aquí hay algunos videos y artículos que pueden ayudarte:
Cómo dibujar un ojo realista con lápiz – paso a paso – Este video de YouTube muestra cómo dibujar un ojo realista con lápiz en cuatro colores diferentes.
Tutorial: Cómo dibujar ojos de forma realista
En nuestro artículo, dominarás cómo dibujar un ojo realista. Capta la esencia de cada detalle y eleva tus habilidades artísticas. ¿Estás empezando con el arte digital? …
Forma del ojo Comenzamos con un círculo. Esto representará el globo ocular. …
Añadiendo profundidad Luego es el momento de doblar esas líneas. …
Afinando los párpados …
Un contorno básico …
Dibuja la forma del ojo: Comienza dibujando la forma básica del ojo. Asegúrate de que el tamaño y la forma sean precisos.
Dibuja los detalles del iris: Dibuja el iris del ojo y asegúrate de que tenga un aspecto realista. Agrega sombras y luces para darle profundidad.
Dibuja los detalles de la pupila: Dibuja la pupila del ojo y asegúrate de que tenga un aspecto realista. Agrega sombras y luces para darle profundidad.
Dibuja los detalles de las pestañas: Dibuja las pestañas del ojo y asegúrate de que tengan un aspecto realista. Agrega sombras y luces para darle profundidad.
Dibuja los detalles de la piel alrededor del ojo: Dibuja la piel alrededor del ojo y asegúrate de que tenga un aspecto realista. Agrega sombras y luces para darle profundidad.
Agrega color al iris: Agrega color al iris del ojo. Asegúrate de que el color sea preciso y realista.
Agrega color a la piel alrededor del ojo: Agrega color a la piel alrededor del ojo. Asegúrate de que el color sea preciso y realista.
Agrega sombras y luces: Agrega sombras y luces para darle profundidad y realismo al ojo.
Aquí hay algunos recursos adicionales que pueden ayudarte a dibujar un ojo realista a color:
Cómo dibujar un ojo realista con lápiz – paso a paso1: Este video de YouTube muestra cómo dibujar un ojo realista con lápiz en unos sencillos pasos.
Cómo dibujar un ojo realista2: Este tutorial de wikiHow te guía a través de los pasos para dibujar un ojo realista, desde la forma del ojo hasta los detalles adicionales.
Espero que esto te ayude a empezar. ¡Buena suerte con tu dibujo! 🎨
En el vasto mundo del arte moderno, el dibujo se ha convertido en un medio de expresión visual cada vez más destacado y dinámico. El arte moderno ha abrazado la diversidad de enfoques artísticos, y el dibujo, una forma de arte milenaria, no se queda atrás. En este artículo, exploraremos la relación entre el dibujo y el arte moderno, analizando cómo esta tradición centenaria se ha transformado en una forma de expresión contemporánea, desafiando los límites de la creatividad y redefiniendo la manera en que percibimos el mundo.
Un Cambio de Paradigma en el Arte Moderno
El arte moderno, que abarca desde finales del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, marcó un cambio de paradigma en el mundo del arte.
Los artistas son aquellos que buscan desafiar las convenciones artísticas establecidas y explorar nuevas formas de expresión. Este período de innovación artística introdujo nuevos medios y enfoques, y el dibujo no fue una excepción.
**II. El Dibujo en el Arte Moderno: Vanguardias y Experimentación**
El dibujo en el arte moderno experimentó una profunda transformación. Los artistas, como Pablo Picasso y Georges Braque, se aventuraron más allá de la representación tradicional y exploraron la abstracción y la fragmentación. El cubismo, por ejemplo, descompuso las formas en elementos geométricos y cambió la forma en que vemos el mundo. **III. El Surrealismo y la Exploración del Subconsciente** El movimiento surrealista, con figuras destacadas como Salvador Dalí y André Breton, utilizó el dibujo para explorar el subconsciente y los sueños.
El dibujo automático y las imágenes oníricas se convirtieron en un medio para representar el mundo interior de una manera sorprendente y a menudo perturbadora. **IV. Expresionismo y el Dibujo Emocional** El expresionismo, ejemplificado por artistas como Edvard Munch y Egon Schiele, se centró en la expresión de emociones a través del dibujo.
Las líneas angulares y los trazos intensos se utilizaron para transmitir la angustia y la agitación emocional. Esta era marcó un énfasis en la subjetividad y la experiencia personal. **V. El Dibujo Contemporáneo en el Arte Moderno** El se centró en la expresión de emociones a través del dibujo.
Las líneas angulares y los trazos intensos se utilizaron para transmitir la angustia y la agitación emocional. Esta era marcó un énfasis en la subjetividad y la experiencia personal. **V. El Dibujo Contemporáneo en el Arte Moderno** El se centró en la expresión de emociones a través del dibujo. Las líneas angulares y los trazos intensos se utilizaron para transmitir la angustia y la agitación emocional. Esta era marcó un énfasis en la subjetividad y la experiencia personal. **V.
El Dibujo Contemporáneo en el Arte Moderno:
VIII. La Importancia del Dibujo en el Mundo del Arte Moderno Actual
El dibujo no solo es:
1. Autenticidad en un Mundo Digital: En un mundo digital dominado por imágenes manipuladas y efímeras, el dibujo representa una forma aut
2. Exploración de la Identidad: El arte moderno contemporáneo aborda temas complejos relacionados con la identidad, la cultura y la política. El dibujo es un
3. Experimentación sin Fin: Los
4. Comunicación Visual Efectiva: El dibujo es un medio poderoso para la comunicación visual.
5. El Dibujo como Medio de Resistencia:El arte contemporáneo
Conclusión: El Dibujo como Pilar del Arte Moderno Actual
En resumen, el dibujo sigue siendo un pilar fundamental en el mundo del arte moderno actual.
Conclusión: El Arte Moderno en el Siglo XXI
En el siglo XXI, el arte moderno persiste como una expresión creativa y cultural en constante evolución. Los artistas contemporáneos abrazan la diversidad, explorando temas relevantes y complejos a través del dibujo y otros medios. El dibujo, ya sea en su forma tradicional o digital, es un vehículo de autenticidad en un mundo digital saturado de imágenes manipuladas. La experimentación constante y la fusión de técnicas enriquecen la conversación artística, mientras que la diversidad de voces enriquece la cultura. En resumen, el arte moderno del siglo XXI es un faro de creatividad y un espejo de la diversidad y fluidez del espíritu humano, recordándonos que el arte sigue siendo un catalizador para el cambio y la reflexión cultural.
Dibujar es una forma de arte que requiere mucha práctica y paciencia. Si bien existen muchas técnicas y métodos diferentes para crear dibujos hermosos y significativos, el método de dibujo de Loomis es particularmente efectivo para mejorar las habilidades de dibujo. En este artículo, exploraremos los beneficios del método de dibujo Loomis y por qué es una herramienta esencial para cualquier aspirante a artista.
El método de dibujo Loomis fue desarrollado por Andrew Loomis, un famoso ilustrador estadounidense y autor de varios libros instructivos sobre dibujo. El método se basa en los principios de proporción y perspectiva y está diseñado para ayudar a los artistas a crear dibujos precisos y realistas a partir de la imaginación.
Uno de los beneficios clave del método de dibujo de Loomis es que enseña a los artistas cómo descomponer formas complejas en formas geométricas simples. Esto ayuda a los artistas a comprender mejor la estructura subyacente de los objetos que están dibujando y a crear representaciones más precisas y realistas de esos objetos. Al descomponer formas complejas en formas más simples, los artistas también pueden manipular y ajustar más fácilmente las formas para crear el efecto deseado.
Otro beneficio del Método de dibujo de Loomis es que enfatiza la importancia de comprender los principios de la perspectiva. La perspectiva es la técnica utilizada para crear la ilusión de profundidad y espacio en el arte bidimensional. Al comprender los principios de la perspectiva, los artistas pueden crear dibujos que parecen tridimensionales y realistas. El método de dibujo de Loomis enseña a los artistas cómo usar la perspectiva para crear dibujos precisos y convincentes, ya sea que dibujen paisajes, edificios o personas.
El Método de dibujo Loomis también anima a los artistas a practicar el dibujo a partir de la imaginación. Si bien dibujar a partir de la observación es una habilidad importante a desarrollar, poder dibujar a partir de la imaginación es esencial para crear obras de arte originales y creativas. Al practicar el Método de dibujo de Loomis, los artistas pueden aprender a visualizar objetos en tres dimensiones y luego traducir esas imágenes en papel.
Además, el método de dibujo de Loomis es una excelente manera de desarrollar un estilo de dibujo personal. Al dominar los principios de proporción y perspectiva, los artistas pueden experimentar con sus propios estilos únicos, ya sea realista o estilizado. El método proporciona una base sólida sobre la cual los artistas pueden construir su propia voz artística.
Finalmente, el método de dibujo Loomis es una excelente manera de mejorar las habilidades generales de dibujo. Ya sea que sea un principiante o un artista experimentado, practicar el Método de dibujo de Loomis puede ayudarlo a crear dibujos más precisos, convincentes y creativos. Al descomponer formas complejas en formas más simples, usar la perspectiva para crear profundidad y espacio, y practicar el dibujo a partir de la imaginación, los artistas pueden desarrollar un conjunto completo de habilidades que les serán útiles en sus esfuerzos artísticos.
En conclusión, el Método de dibujo Loomis es una herramienta esencial para cualquier artista que busque mejorar sus habilidades de dibujo. Al enseñar a los artistas los principios de proporción, perspectiva e imaginación, el método proporciona una base sólida sobre la cual construir un estilo de dibujo personal. Ya sea que sea un principiante o un artista experimentado, practicar el Método de dibujo de Loomis puede ayudarlo a crear dibujos más precisos, convincentes y creativos. Entonces, si quieres llevar tus habilidades de dibujo al siguiente nivel, ¡asegúrate de probar el método de dibujo de Loomis!
Para empezar tu dibujo de animé, traza un círculo usando una taza boca abajo o a mano alzada. Este formará la cara de tu personaje de animé. Encuentra el punto medio de tu círculo y señálalo con una pequeña marca con un lápiz. Los círculos y las líneas te ayudan a guiarte mientras dibujas.
Dibujar anime puede ser fácil si sigues unos sencillos pasos:
Comience dibujando la forma básica de la cabeza y el cuerpo usando formas simples como círculos y óvalos.
Dibuja los ojos, que suelen ser grandes y expresivos en el anime. Asegúrate de incluir el iris y las pupilas.
Boceto en la nariz y la boca. En el anime, la boca suele ser pequeña y simple, mientras que la nariz suele omitirse por completo.
Boceto en el cabello. El cabello de anime suele ser puntiagudo y salvaje, así que no tengas miedo de experimentar con diferentes formas y estilos.
Boceto en la ropa. La ropa de anime suele ser simple y ajustada, así que tenlo en cuenta cuando dibujes.
Finalmente, use líneas y sombras para agregar detalles y profundidad a su dibujo.
Divide tu círculo desde la línea media hasta la parte de abajo del círculo con líneas horizontales espaciadas uniformemente. Cuando estás aprendiendo a dibujar animé, estas líneas te ayudarán a ubicar correctamente los ojos, la nariz y la boca.
Las líneas adicionales ayudan a mantener los rasgos faciales dentro de proporciones correctas.
Paso 2: dibujar ojos de animé
Comienza mapeando las cejas de tu dibujo de animé trazando unos arcos pequeños encima y a lo largo de la segunda línea horizontal. Luego, entre las líneas tres y cuatro, dibuja dos arcos verticales con una línea en la parte de arriba y de abajo. Estos crearán el contorno de los ojos de tu dibujo de animé.
Las líneas de guía ayudan a ubicar los ojos y las cejas en tu personaje.
Hay muchas formas diferentes de dibujar ojos de animé, pero una de las más fáciles para principiantes es dibujar un semicírculo en la esquina superior derecha del círculo de los ojos y dejarlo blanco, y sombrear el resto del círculo de los ojos. Esto crea un aspecto de ojos anchos que caracteriza a los dibujos de animé.
Elige el estilo de ojos que mejor se ajuste al aspecto que estás buscando.
Paso 3: dibujo de la boca de animé
Luego, dibuja una pequeña curva o línea, dependiendo del estilo que estés buscando, a lo largo del borde inferior del círculo para crear una nariz pequeña. Usando tus líneas de guía, puedes empezar a trabajar en el dibujo de la boca de tu animé. La mayoría de las bocas de animé son simplemente una pequeña curva ubicada alrededor de las tres cuartas partes de arriba hacia abajo de la cara. ¡Tu cara está empezando a tomar forma!
Añade líneas de guía adicionales alrededor del círculo para ubicar la nariz y la boca.
Paso 4: añade los toques finales
¡Tu dibujo de animé ya está casi completo! Dibuja dos líneas verticales directamente debajo de la cara como cuello, tan cerca una de otra como quieras dependiendo de qué tan delgado o grueso deba ser el cuello.
Termina los rasgos faciales antes de añadir los toques finales.
El pelo de animé será la mayor diferencia en tu dibujo, dependiendo de si estás trabajando en el dibujo de una chica o de un chico de animé.
Para el pelo de un chico, dibuja un pequeño punto alrededor de una pulgada debajo del lado superior del círculo de la cara. A partir de aquí, dibujarás líneas curvas hacia abajo para crear un peinado suelto y flexible, común para personajes masculinos. Los enmarcarás estos trazando las líneas hacia arriba en el otro lado de tus primeras líneas para crear formas que parecen una palmera.
El pelo de los personajes de animé suele ser desordenado, así que no te preocupes por intentar que se vea perfecto.
Para los personajes de chicas, empezarás con esas mismas líneas curvas que usarías en un personaje masculino, pero limítate a tan solo una o dos líneas. Luego dibujarás líneas curvas más grandes alrededor de la parte exterior de la cara para crear un pelo más largo. Sombrea los bordes exteriores del pelo para que se destaque y añade las líneas adicionales que quieras para darle algo más de forma.
Cuando tu dibujo esté completo, borra las líneas de guía antes de colorear o repasarlo en tinta.
Cuando hayas terminado de añadir el pelo, ¡puedes borrar tus líneas de guía originales y tu dibujo está terminado!
Curso avanzado para principiantes
Ves cada semana los últimos capítulos de tus animes favoritos para ponerte al día, y alguna vez que otra te preguntas cómo llegar a dibujar esos rostros con ojos gigantes que tan fáciles parecen. Te pones manos a la obra y te das cuenta de que el asunto tiene mucha más miga de la que creías, y buscas en Google algo que todos hemos hecho alguna vez: «consejos para aprender a dibujar anime«. Y te has topado conmigo, por lo que esperas que te enseñe a realizar tus personajes en tiempo récord porque, seamos sinceros, eres impaciente y quieres ver resultados rápidamente.
comienza dibujando esta imagen como tarea para ver sus avances déjalo en los comentarios
Día -1: ser consciente de que dibujar anime y manga requiere de práctica
El dibujo nunca es fácil, y dibujar anime y manga tampoco lo es a pesar de que tengamos en nuestra cabeza la idea de que es mucho más sencillo este tipo de animación que una de corte más realista. Te voy a enseñar unos cuantos consejos para que te pongas, papel en mano, a crear personajes bonitos y llamativos antes de que pase una semana, pero recuerda: si necesitas más tiempo y práctica, ¡tómatelo! Mejor paso a paso que querer correr y hacer un churro.
Día 0: materiales para dibujar anime y manga
Ni puedes utilizar el lápiz que usabas en el colegio, ni te recomiendo terminar dibujando en folios tradicionales. Acude a tu papelería especializada más cercana y pide consejo, pero en rasgos generales precisas de:
Bloc de dibujo (tamaño que desees). El primer o el segundo día prueba en sucio en cualquier tipo de hoja.
Lápiz de grafito de color clarito. Este te servirá para tus primeros bocetos.
Lápices y rotuladores de colores, todo ello para terminar de rellenar a tus personajes y escenas.
Es probable que si vas a una tienda conocedora del tema te cobren más de la cuenta, pero si quieres ser un profesional, mejor tener material de calidad antes que de cualquier supermercado.
Material esencial para cualquier novato en esto de dibujar anime
Día 1 y 2: guarrea cualquier hoja en sucio para practicar
No quiero que gastes antes de tiempo las 80 páginas que puede tener el bloc que acabas de comprar. Lo primero que querrás hacer es practicar, sobre todo porque al dibujar anime y manga tenemos que ser consciente de las proporciones y el movimiento de los personajes para poder tener una obra realmente viva.
La cara
Coge cualquier folio que tengas perdido en casa y dibuja el rostro que quieres realizar sin pensar en si es bonito, si está simétrico o cualquier otro aspecto. Puedes utilizar hasta un bolígrafo para ello; posteriormente, fíjate en cualquier fotografía que encuentres en Google que te enseñe cómo se dibuja realmente una cara: ¿ves que todos los artistas generan unas líneas de referencia que te servirán, no solo para darle volumen, sino también mayor apariencia realista? ¡Claro que es anime y manga, pero tus creaciones deben tener vida!
Quizás el segundo día te aventuras a borrar estas líneas que has creado con tu lápiz de grafito, o tal vez prefieres seguir probando porque no te sale la forma que ves en las imágenes. ¡No te preocupes! Poco a poco irás añadiendo los ojos, que suelen tener forma ovalada y repasados en color negro si te gusta. Añade color si así lo deseas y si te ves con fuerzas, ¡et voilá! Pasaremos a realizar la nariz, que suele ser pequeña y fácil de realizar, y sobre todo el pelo, la parte más complicada por existir tantos estilos diferentes. Mi recomendación es que intentes elegir esta primera semana un peinado sencillo que no tape demasiado la frente.
El cuerpo
Quitémonos de la cabeza el estereotipo de joven delgado y con el torso muy marcado, porque hay personajes de todo tipo, pero lo cierto es que es más fácil comenzar a crear tu maniquí con esta forma y proseguir más adelante con otras más complicadas. Ahora bien, dos diferencias:
El chico tiene la cintura y las caderas más rectas que las chicas.
El pecho es más voluptuoso, de forma general, en ellas que en ellos.
Teniendo esto en cuenta, el resto de consejos serán los mismos: o buscas un vídeo en YouTube sobre un maniquí para que te ayude a calcar su estructura, o te compras uno en cualquier tienda de dibujo. Cuando tengas todas las líneas creadas con el lápiz de grafito claro, las borras y dejas solo la silueta y añades cualquier tipo de detalle como magulladuras, heridas, abdominales, pechos o pezones.
Días 3, 4 y 5: detalles más concretos
Ahora que has probado en hojas en sucio tu técnica a la hora de dibujar anime y manga, traslada tus creaciones al bloc de notas. Seguiremos sin crear escenas; tan solo personajes. Creo que es mucho más difícil conocer esta técnica antes que establecer el ambiente en el que quieres situar a tus protagonistas. En cuanto veas que tus personajes anime ya lucen como quieres, hay que pintar la ropa: espero que hayas utilizado aún el lápiz de grafito en color claro, ya que será mucho más sencillo borrar las líneas de la silueta.
Crear obras de arte realistas es una tarea desafiante pero gratificante que requiere una combinación de habilidad, conocimiento y paciencia. En esta publicación de blog, discutiremos algunos consejos y técnicas que pueden ayudarlo a crear arte realista que realmente capture la esencia de su tema.
Comience con formas básicas: antes de comenzar a dibujar su tema, es una buena idea dividirlo en formas básicas. Esto lo ayudará a comprender la forma general del objeto y facilitará la construcción de la imagen final. Por ejemplo, podría comenzar dibujando un óvalo para la cabeza, un cilindro para el torso, etc.
Use materiales de referencia: el arte realista se basa en gran medida en la representación precisa del tema, es importante usar materiales de referencia para ayudarlo a obtener las proporciones y los detalles correctos. Esto puede ser cualquier cosa, desde una fotografía o un modelo en vivo hasta una configuración de naturaleza muerta o naturaleza.
Preste atención al valor: el valor se refiere a la claridad u oscuridad de un color. En el arte realista, es importante prestar mucha atención al valor para crear la ilusión de tridimensionalidad y profundidad. Esto se puede lograr mediante el uso de una gama de tonos claros y oscuros, así como técnicas de combinación para crear gradaciones suaves de color.
Use una paleta de colores limitada: una paleta de colores limitada puede ayudarlo a concentrarse en los elementos más importantes de su tema y crear una imagen cohesiva y unificada. Usar una paleta limitada también puede ayudarlo a lograr colores más realistas, ya que lo obliga a usar los colores de una manera más intencional y reflexiva.
Práctica y paciencia: como con cualquier habilidad, la práctica es clave para mejorar tus habilidades de dibujo y pintura. Tómese su tiempo, observe y sea paciente. no se apresure a terminar su dibujo y esté dispuesto a cometer errores, aprenda de ellos y mejore sus habilidades.
Aquí hay algunos ejemplos de cómo puede usar los consejos mencionados anteriormente para crear un dibujo realista:
-Dibujar la forma básica del sujeto, en este caso, una cabeza humana
-Usar una foto de referencia para obtener la proporción y los detalles correctos
-Usar el valor para crear la ilusión de profundidad y forma.
-Usar una paleta de colores limitada para enfocarse en elementos importantes y crear una imagen cohesiva.
Recuerda, crear arte realista es un proceso que requiere práctica y paciencia. Cuanto más trabajes en ello, mejor te volverás, así que no te desanimes si tus primeros intentos no salen perfectos. Sigue trabajando en ello y verás mejoras con el tiempo.
Las técnicas de Dibujo realista se especifican de la siguiente manera:
Las técnicas de dibujo realista son métodos y técnicas que se utilizan para crear una representación real de un sujeto en un dibujo. Estas técnicas se pueden utilizar para crear una amplia gama de dibujos, incluidos dibujos de retratos, bodegones y paisajes. Aquí hay algunas técnicas de dibujo realistas que puede usar para mejorar sus dibujos:
Bocetos y dibujos lineales: Comience por dibujar las formas y líneas básicas que componen su tema. Esto te ayudará a tener una idea de la composición general del dibujo y facilitará la adición de detalles más adelante.
Proporciones: Preste mucha atención a las proporciones del sujeto que está dibujando. Esto lo ayudará a crear una representación realista del sujeto y evitará errores comunes, como dibujar una cabeza demasiado grande o pequeña.
Valor: en los dibujos realistas, el valor se refiere a la claridad u oscuridad de un color o sombra. Al prestar atención al valor, puede crear la ilusión de profundidad y forma en sus dibujos. Usa una gama de tonos claros y oscuros para crear contraste y llamar la atención sobre ciertas áreas del dibujo.
Sombras y luces: la clave para crear un dibujo realista es prestar atención a la forma en que la luz cae sobre el sujeto. Estudie dónde caen las sombras y los reflejos y use esta información para crear la ilusión de profundidad y volumen en su dibujo.
Texturas: agregue textura a sus dibujos usando diferentes trazos de lápiz o técnicas. Esto se puede hacer usando una variedad de herramientas como sombreado, sombreado cruzado, punteado y más.
Difuminado: utilice técnicas de difuminado como difuminar o difuminando tocones para crear gradaciones suaves de color y textura. Esto puede ayudar a crear una representación más realista de su sujeto.
Detalles finales: una vez que haya completado la mayor parte de su dibujo, dé un paso atrás y evalúelo como un todo. Realice los ajustes necesarios y agregue los detalles finales, como rasgos faciales, detalles de ropa o elementos de fondo.
Recuerda, crear arte realista es un proceso que requiere práctica y paciencia. Es importante estudiar el tema detenidamente y seguir experimentando con diferentes técnicas hasta que encuentre las que funcionen mejor para usted.
Hola amigos les dejo un curso de arte realista los primeros pasos
Arte moderno realista
La finalidad de este curso es darte las bases básicas para dibujar, pintar y tener un comienzo el maravilloso mundo del arte.
La primera parte para orientarte es aprender la paleta de colores, esto es un paso fundamental:
¿Quieres aprender a dibujar?
¡Entonces has llegado al lugar correcto! Pasa por favor y toma asiento. Mi nombre es Jaime y me encanta dibujar. Déjame traer mis lápices y compartiré contigo lo que he aprendido del fascinante mundo del dibujo.
Aquí en Artistica encontrarás artículos, consejos, trucos y ejercicios prácticos para aprender a dibujar.
¿Y sabes qué es lo mejor? El curso es completamente gratis.
Lo básico para dibujar
La meta de Artistica es enseñar diversos aspectos básicos para aprender a dibujar. Como primer paso necesitaremos tener en nuestras manos las herramientas adecuadas. No necesitamos cosas extraordinarias para empezar.
El material es muy sencillo y baratísimo:
Papel – ¡Obvio! De preferencia papel bond blanco, sin rayas ni cuadriculado. Compra todo el papel que puedas.
Lápiz y sacapunta – Cualquier lápiz decente sirve. Si vas a comprar uno nuevo, pide en tu librería un lápiz de dureza “HB.”
Borrador – Mi preferencia personal son los borradores de plástico.
Debo confesar que yo uso portaminas en lugar de lápiz. Es simplemente mi preferencia personal, ya que el portaminas mantiene siempre una punta fina y no hay que estar sacando punta constantemente.
Sobre el borrador de plástico, si no puedes conseguir uno, no hay problema. Lo importante del borrador es que borre y que borre bien. Prueba hacer un borrado de prueba donde no hayas dibujado nada y si te deja manchas, es un mal borrador. No uses borradores destinados para lapicero porque malogran el papel. Tampoco uses el borrador que viene en la otra punta de los lápices. Son chicos y de baja calidad.
Más adelante iremos comprando más herramientas para hacer posibles dibujos más avanzados.
El Ingrediente Secreto es la persistencia y la practica ase al maestro
Primer paso para el dibujo y la pintura realista es saber la mescla de colores es un paso fundamental para lograr un verdadero cuadro, dibujo.
Dibujando en el Aire
Vamos a aprender a dibujar con un ejercicio muy sencillo que nos ayudará a mejorar nuestra observación. A ver todos, lápiz en mano, y elijan un objeto que esté a su alcance. En mi escritorio tengo un muñequito de Pikachu, así que ese será mi objeto. ¿Listos?
Ahora, cierra un ojo y, con el lápiz, traza una línea imaginaria del contorno del objeto, como si lo calcaras en el aire.
Prueba hacer esto con otros cinco objetos que tengas cerca. Busca algún objeto interesante como un tenedor, una silla, tu mascota o, si no tienes nada interesante cerca, prueba delinear tu mano extendida, luego tu puño, etc.
Puedes practicar esto donde sea, no importa que no tengas un lápiz a la mano. Cierra un ojo, usa un dedo y ¡a dibujar en el aire!
¿Pero para qué sirve este ejercicio?
Este ejercicio es muy útil para mejorar nuestra capacidad de observación. Al delinear el objeto de esta manera tenemos que prestar atención a la forma del objeto, dónde empieza una línea, cómo cambia de dirección, etc.
Gimnasia de trazos
Hoy vamos a hacer un poco de gimnasia con el lápiz y papel. A continuación hay una imagen para imprimir. Si no tienes impresora, pídele a algún amigo o tío que te lo imprima o anda a una cabina de internet. Te recomiendo que hagas este ejercicio repetidas veces. Sugiero que imprimas esta imagen y luego la fotocopies.
Al hacer este ejercicio descubrirás que hay ciertos ángulos que te serán difíciles de dibujar. Eso es normal. Es importante que te observes a tí mismo cuáles son las direcciones en las que tienes dificultad.
Cuando empecemos a dibujar más adelante, ya sabrás qué ángulos te son difíciles para mover el papel o cambiar de posición a una más fácil.
Aquí está la imagen:
¿Listo para un ejercicio más? 🙂 Aquí hay otra imagen:
Nada reemplaza a la práctica y al trabajo duro. Así que manos a la obra.
Del Aire al Papel
Dibujar es trasladar una imagen, sea una que tenemos delante nuestro o una que está en nuestra imaginación, hacia el papel. Uno de los secretos para poder dibujar correctamente un objeto es entenderlo. Tenemos que entender su forma. Si queremos dibujar una lata, es imprescindible que entendamos que la lata no es un objeto plano, sino cilíndrico. Un objeto más complejo, como una flor, está compuesta de muchas y variadas formas. Una flor no es plana, eso es evidente, y mientras más desarrollemos la capacidad de observar y entender la forma de la flor, podremos dibujarla de la mejor manera.
Tanto el ejercicio anterior de dibujar en el aire como el presente tienen como fin, primeramente, desarrollar nuestra capacidad de observación y, segundo, desarrollar nuestra capacidad de entender la forma de un objeto.
¡Empecemos entonces! Sólo es necesario lápiz y papel.
Escoge un objeto que tengas cerca. En mi caso, encuentro interesante la licuadora. Coloca al objeto cerca tuyo y, en una posición cómoda, empieza a dibujar en el aire al objeto, como lo hemos hecho anteriormente. A continuación, empieza a dibujar el objeto en el papel, pero manteniendo la vista en el objeto. Recorre el borde del objeto con los ojos y siente la forma del objeto.
Tus ojos deben estar fijos en el objeto, pero tu mano debe dibujar en el papel. No mires lo que estás dibujando, simplemente siente la forma del objeto y dibújala.
A continuación una foto de la licuadora y mi dibujo.
Es de esperarse que las líneas no coincidan y el dibujo salga deforme y desproporcionado. Eso no nos importa ahora, sino aprender a entender la forma de un objeto. Empieza desde cualquier punto y desde allí traza una linea como si tocaras con la vista el objeto. Siente cada cambio de dirección, cada curva, cada fin de línea. Cuando alces el lápiz para dibujar otra parte del objeto no te preocupes de encontrar en el papel dónde tienes que seguir dibujando la siguiente parte. Simplemente dibuja sin mirar. No te preocupes del resultado.
A propósito, el dibujo lo hice observando la licuadora misma y no la fotografía. Tomé la foto de pie e hice el dibujo sentado. No uses fotografías para este ejercicio, dibuja siempre de la vida misma con objetos que estén delante tuyo. Esto es importante porque el ser humano capta los objetos con dos ojos, mientras que una cámara fotográfica capta la imagen con una sola lente. Hay una diferencia muy importante allí. Es importante percibir el volumen, la profundidad y la distancia de un objeto.
No está de más volver a recalcar la importancia de la práctica. ¡Practica bastante! La práctica hace al maestro, dice la famosa frase, y tiene bastante de verdad. Si tienes preguntas, escribe un comentario y gustoso lo responderé a la brevedad posible.
Observando y midiendo
Anteriormente mencioné una frase dicha por Daryl Reiner, “Dibujar es la parte fácil, la parte difícil es entender lo que está ahí.”
El acto de hacer una línea en el papel es fácil. Dibujar un cuadrado no tiene mayor dificultad, y menos aún si nos ayudamos de una regla. Hay dibujos de maestros clásicos que se componen de prácticamente un par de líneas. ¿Dónde está la dificultad entonces? La dificultad radica en la forma que las líneas sugieren. Si una línea hubiese ido un poco más allá o se hubiese alejado un poco más, el dibujo perdería sentido. Cualquiera puede trazar una línea, pero se requiere de práctica y maestría para saber dónde ubicar y guiar cada trazo.
La ubicación de cada línea y su proporción es muy importante en el dibujo. Esto es más notorio cuando dibujamos retratos, pues al ubicar incorrectamente las partes del rostro vemos que el dibujo no se parece a la persona que queremos retratar. Para lograr el parecido con la realidad tenemos que ubicar cada parte en su lugar.
La idea de un dibujo no es capturar de manera idéntica nuestro objetivo. Si esa fuese nuestra meta, es más fácil y rápido fotografiar al sujeto. La idea de un dibujo es plasmar en papel la esencia del sujeto. Si calcamos la fotografía de una persona el resultado es una serie de líneas sin vida ni emoción. Un dibujo debe tener substancia, debe expresar una idea, contar una historia o ser interesante para que provoque una reacción en el observador.
Al hacer este dibujo mi meta no era obtener una copia idéntica del sujeto sino capturar la mirada distraída y lejana. Es esa expresión y no la copia perfecta lo que me interesa
Si alguna vez has tratado de copiar una fotografía, un objeto que está delante tuyo o el dibujo de otra persona, seguramente habrás experimentado esa frustración de ver que no se parece, que hay algo mal en el dibujo y no entiendes qué es. De algún modo te evade el ver dónde están los errores.
Un consejo que ayuda mucho para estos casos es simplemente dejar el dibujo a un lado y ver otra cosa. Dar una vuelta por la calle, leer un libro, cocinar, dedicarse a otra cosa y olvidarse del dibujo. Luego, cuando regreses al dibujo lo verás con “ojos nuevos” y notarás detalles a los que anteriormente eras ciego.
El segundo consejo es nuestro ejercicio del día de hoy. El propósito de este ejercicio es aprender a observar y notar las diferencias que introducimos en nuestro dibujo con el sujeto que queremos dibujar. Esto lo vamos realizar a través de la medición.
Empecemos con un dibujo de lo más sencillo:
Coge tu lápiz y papel y prueba dibujar este sonríe. Trata de hacerlo lo más idéntico posible al mío. Inténtalo y aquí te espero.
¿Ya lo hiciste? No, no lo has hecho. ¡Dibújalo de una vez! Yo te espero aquí.
Dum, di, dum.
…
¿Listos? Ok, he elegido un dibujo muy simple para que notemos fácilmente las diferencias. Tratándose de un dibujo sencillo y por ser un ejercicio les exijo que traten de hacer lo más idéntico posible a mi dibujo.
Mira y compara tu dibujo con el mío. ¿Es igualito? Le pedí a mi Mami que haga también un dibujo para ustedes, así que aquí está el suyo:
La primera diferencia notable es que los ojos son más grandes. Un premio para el que haya notado que los ojos deberían estar más distanciados entre sí. Lo más difícil es señalar las diferencias que hay con la forma de la boca, dado que es una curva difícil de comparar.
Como dije antes, nuestro ejercicio es uno de Medición. Todos sabemos medir, usando una guía de medida como una regla. Necesitamos un punto de comparación para saber “esta línea es más larga que esta otra,” o “la distancia entre este punto y este otro es X.”
Para nuestro ejercicio vamos a coger un papel extra o una cartulina para definir nuestra medida de comparación. Vamos a elegir una parte de nuestro sujeto original para crear nuestra “Medida Base.” Ojo con estos requisitos:
Debe ser una línea recta.
Debe ser fácil de ver.
No debe ser muy grande.
Nuestro dibujo es tan pero tan sencillo que he elegido como Medida Base la separación que hay entre los ojitos.
¡Muy bien! Entonces, mi Medida Base es esa separación. Coge una cartulina y haz lo mismo, mide la distancia que hay entre los ojos de mi dibujo. ¡Ten extremo cuidado si vas a colocar tu cartulina en la pantalla de la computadora!
Esta medida nos servirá para poder ubicar correctamente cada una de las demás partes del dibujo. Por ejemplo, con nuestra medida podemos ubicar la curva de la boca. Si notas, el ojo queda casi casi en el centro de nuestra medida.
Podemos hacer también una marquita en nuestra medida para sacar la altura de la curva debajo del ojo.
Al tomar estas medidas descubriremos el por qué nuestro dibujo no se parece al original. Frecuentemente me sucede que pienso que la distancia entre el ojo y el borde de la cara es una, pero al medir me doy cuenta que es más allá. Al instante se hace obvio. Recuerda que las medidas no tienen que ser exactas y precisas, en un dibujo artístico lo esencial es obtener un parecido y no una copia perfecta al milímetro.
¡Vamos a esbozar!
Una práctica común entre artistas de todo rango, desde un historietista hasta un gran maestro como Leonardo da Vinci es el esbozo o, en inglés, “sketch.” Un esbozo es un dibujo hecho rápidamente con el fin de estudiar o captar la forma de un sujeto. Da Vinci hacía cientos de esbozos en sus cuadernos donde figuran sujetos diversos como animales, personas y máquinas. Un esbozo no es un dibujo acabado y muchas veces contiene errores y varios intentos de líneas superpuestas.
Esbozos de Leonardo da Vinci
Uno de las claves más importantes para aprender a dibujar es, bueno, dibujar. Es como aprender a manejar bicicleta. Por más que desees manejar la bicicleta, por más que te sientes a leer artículos de seguridad vial o mirar catálogos de bicicletas, no ganarás más experiencia que subirte a la bici y pedalear.
Del mismo modo, puedes pasarte horas de horas leyendo libros, comprando instrumentos de dibujo, deseando ardientemente aprender a dibujar… pero nada reemplaza a la experiencia que obtendrás cogiendo un lápiz, papel y dibujar, dibujar, dibujar.
Aquí es donde entran los esbozos. Puedes empezar esbozando en base a algún dibujo que te guste, o una fotografía, o quizás un sujeto que tengas delante de tus ojos. Tienes que perder el miedo al “No me va a salir igual,” “Esto es muy difícil.” Todos tenemos miedo al principio de caernos de la bicicleta, pero no hay otra forma de perder el miedo más que limpiándose las rodillas y volver a pedalear. Eventualmente, empezarás a tener más confianza en tí mismo o en tí misma.
Lo genial de dibujar es que puedes practicar en casi cualquier parte y situación. Puedes dibujar en la comodidad de tu casa, afuera en la calle mientras esperas a alguien, en un restaurante mientras esperas el servicio y un largo etcétera. No es raro encontrar dibujos de artistas que dibujan durante su viaje en el microbús o tren.
Esbozos de Toñito Avalos en un bus de transporte público
¡Vamos a empezar entonces! Teniendo en mente los ejercicios que hicimos anteriormente de observación, dibujar en el aire, etc. te doy los siguientes consejos:
1. Empieza con trazos ligeros. Pasando suavemente el lápiz sobre el papel empieza dibujando líneas y formas muy generales del sujeto.
2. Haz varios trazos de base y luego, más firmemente, haces un trazo más marcado. Me sucede muchas veces que no puedo dibujar una línea recta en el ángulo que quiero, por lo que lo intento varias veces de manera ligera y una vez que ya me sale hago el trazo definitivo usando los intentos como base.
3. ¿Te salió mal? Déjalo y vuelve a intentarlo o intenta otra cosa. Esbozar debe ser divertido, no debes perder la paciencia ni mucho menos dejar que la frustración te haga dejar el papel. Hay veces que uno no se siente inspirado, como que dibujas y no te sale nada bien. Distráete un momento y vuelve a intentarlo.
Muy bien, ahora vamos con un ejemplo.
Ahora es tu turno. Ten mucha paciencia y… ¡adelante!
Dibujando con formas básicas
Quizás te has encontrado en la situación de querer dibujar algo, como un objeto delante tuyo, una fotografía o una escena muy compleja, y no sabes ni por dónde empezar.
Hay un proverbio chino que dice, “Un viaje de mil pasos empieza con un paso.” Es una frase muy sabia. Te cuento un secreto: cuando te encuentres con una tarea grande y no sepas por dónde empezar, divide la tarea en partes más pequeñas. Y esas partes divídelas en partes más pequeñitas. Sigue así hasta que las partes que tengas sean fáciles de manejar.
Como dice el conocido refrán, “Divide y vencerás.”
En el artículo anterior de esbozos hice mención de hacer trazos base. Esos trazos base son la división de la figura en partes más pequeñas. Hacemos esto reduciendo una figura complicada a formas básicas como círculos, rectángulos, conos, etc. Simplificamos nuestro sujeto a formas muy simples que sean manejables.
Cuando era chico y quería dibujar “a lo grande” cometía siempre el mismo error de empezar a dibujar detalladamente una parte de una escena o figura sin tomar en cuenta toda la imagen en sí. He visto a principiantes querer dibujar un rostro y empiezan dibujando el ojo. Inevitablemente, la cara sale desproporcionada o desfigurada porque el dibujante puso su concentración en una sola parte del sujeto.
Toda figura tiene proporción, armonía, una distancia entre parte y parte. Por eso es importante empezar trazando ligeramente líneas de base para definir el lugar donde irá ubicada cada cosa, como un mapa de nuestro dibujo. Aquí es bien importante observar bien y medir para no tener problemas después. Es importante capturar el lugar correcto de cada cosa. Teniendo una idea de la ubicación de los elementos ya podemos empezar a dibujar.
Para cerrar esta lección, te comparto un truco. Hay ocasiones en las que miramos nuestro dibujo y sabemos que algo está mal pero no sabemos qué. Como que se escapa a nuestra observación. Un buen truco para esos casos es mirar tu hoja a través de un espejo o a tras luz para verlo invertido. Al mirarlo al revés se revelan esos errores.
¿Qué errores encuentras aquí?
Introducción a la Luz y Sombras
Recuerdo una vez cuando era niño me desperté en la mitad de la noche y había apagón. Esa noche no había luna, por lo que no había nada de luz. Era una oscuridad total, no veía absolutamente nada, tanto así que ni siquiera podía ver mi mano delante de mis ojos por más que me esforzaba.
Todo lo que vemos es luz. Nuestros ojos captan la luz que tenemos alrededor nuestro y los valores y variaciones de éstas. Nuestro cerebro arma la imagen que podemos “ver.” En esencia, nuestra visión se compone de luz. Los colores son también variaciones de frecuencias de luz. Si quitas toda fuente de luz al final no podemos ver nada, tal como mi experiencia con el apagón.
Este concepto es muy importante en el dibujo, sobre todo cuando queremos dibujar de manera realista. Cuando dibujamos una caricatura la simplificamos utilizando líneas. Decimos, “Esto es un cuadrado” y dibujamos cuatro líneas para representar sus bordes. O, “esto es una persona” y dibujamos líneas en los bordes para definir cómo es su forma. Pero en la vida real no es así. Los bordes de un objeto en la vida real no está formado por líneas, sino por variaciones de luz.
Para empezar a dibujar realistamente tenemos que abandonar el concepto de línea y asumir el concepto de luz.
Por ejemplo, la sombra en la siguiente fotografía es una variación abrupta de la luz. Hay un lado donde cae bastante luz y luego otro lado donde la luz del sol es interrumpida. Tenemos que aprender a mirar ese borde como una variación de luz y ya no como una línea.
¡Lápices nuevos!
De aquí en adelante usaremos un par de nuevos lápices que nos ayudarán a obtener un mejor rango de sombreado. Quiero recalcar que no es necesario ni obligatorio adquirir estos lápices, sino que simplemente nos ayudarán a obtener más fácilmente tonos oscuros o ligeros.
Recordando que en el primer artículo sugerí comprar un lápiz HB, les describo los nuevos lápices
2B – La mina es más suave que el HB. Eso significa que “pinta” con más grafito y obtenemos tonos más oscuros.
2H – La serie H tiene la mina más dura, que como ya adivinaste, significa que deja menos grafito en el papel y los trazos salen más ligeros y claros que nuestro amigo HB. Mucho ojo, al tratarse de una mina más dura es posible cortar o hacer daño al papel.
Estos lápices los puedes conseguir en cualquier librería. En alguna ocasión me compré un 6B para obtener tonos negros de esos bien negros, pero manchaba bastante y era un poco frustrante. Personalmente, considero que un 2B y un 2H son suficientes para empezar.
Ok, y ahora llegó la hora de nuestro ejercicio. En una hoja de papel dibuja cinco recuadros como en la figura y pinta los valores desde el blanco puro (no pintamos nada) hasta el negro oscuro (¡a darle con fuerza al lápiz!). El propósito de este ejercicio es que obtengas dominio para representar distintos valores de oscuridad.Empieza primero usando solamente el lápiz HB. Una vez que hayas ejercitado bien, prueba con el 2B, luego con el 2H y finalmente con los tres a la vez.
Dibujo por iichiro
about:blank
Técnicas para el Sombreado
¿Alguno de ustedes ha visto de cerca cómo se toca un violín? A diferencia de un piano donde cada tecla es una nota, en un violín las notas no están separadas visualmente, tienes que saber dónde presionar en cada cuerda para producir cada nota. Si pulsas el lugar incorrecto suena desafinado. En un piano es fácil, porque cuando te dicen que toques la nota Sol, pues presionas esa tecla y punto. En un violín es más difícil, al principio uno tiende a presionar un poco más aquí o más allá y no suena bien. Una amiga violinista solía decir antes de practicar, “Voy un rato a serruchar al gato.” 🙂
Del mismo modo, para sombrear realistamente es importante saber qué sombras y de qué oscuridad debe ir en el papel. Esas son las notas de nuestra canción. Es igualmente importante y crítico saber pintar el tono o valor correcto en el papel. Eso es como pulsar correctamente la nota en el violín. Podemos saber la nota, la oscuridad correcta, pero es igualmente importante saber representarla en el papel, en caso contrario nuestro dibujo saldrá “desafinado.”
¡Y esto no es difícil! Como todo en el dibujo, es cuestión de práctica, así que sin más ni más veamos las técnicas más usadas para sombrear con nuestros lápices.
Técnicas de Sombreado
La forma más simple de sombreado es hacer líneas seguidas juntas usando la punta del lápiz o inclinándolo para pintar con el costado de la mina de éste. Es importante hacer todas las líneas en una misma dirección para que el resultado sea uniforme. La cantidad de sombra varía según la presión del lápiz y la cercanía entre las líneas.
Otra técnica es el “Cross Hatching,” que es un tramado cruzado. Dibujas una serie de líneas diagonales y luego inclinas el papel y dibujas otra serie de líneas que las crucen. Se puede obtener una menor o mayor oscuridad según la separación que le dejes entre las líneas.
Otra técnica es el “Circulismo,” que consiste en dibujar una serie de círculos pequeños que se superponen entre sí. No es necesario que los círculos sean perfectos, solamente hacerlos lo suficientemente pequeños y juntos. La oscuridad de la sombra depende del tamaño de los círculos que dibujemos asi como la presión que hagamos con el lápiz. El Circulismo es muy útil para dibujar la piel de las personas, ya que el acabado es irregular. Para este caso es bueno hacer los círculos suavemente.
Aquí un ejemplo usando la primera técnica de sombreado:
Finalmente, estas tres técnicas mencionadas se pueden complementar con el Suavizado. Utilizando un trozo de papel normal, papel higiénico, alguna tela suave o un tortillon mezclamos el grafito que pintamos en nuestro dibujo. El resultado es un color uniforme, suave.
¿Torti-qué?
El tortillon es una herramienta muy sencilla de construir que nos permitirá suavizar nuestros dibujos fácilmente.
Para hacer nuestro tortillon necesitamos un papel en blanco. Lo enrollamos de manera ligeramente diagonal de modo que sobresalga una punta. Para que no se desarme pegamos con goma o cinta el extremo final. ¡Listo! Para usarlo pintamos primero una superficie con lápiz y luego lo suavizamos con el tortillon.
Cuando quiero obtener tonos suaves pinto con el lápiz en otro papel, suavizo eso con el tortillon y como se queda impregnado el grafito, uso ese remanente en mi dibujo. Es como si el grafito fuese pintura y el tortillon una brocha.
Un ejemplo de un acabado con tortillon:
Practicando y usando estas técnicas se pueden obtener resultados asombrosos. Este es un dibujo hecho por un verdadero profesional (y no un aficionado como quien les escribe), Jose Carlo G. Mendoza, usando la técnica circular, diversos lápices, borradores, tissues (pañuelos de papel) y mucho trabajo duro.
Aquí otra muestra de la técnica de Cross Hatching, esta vez del artista Michael May:
Todos los valores están construidos en tramados cruzados que a lo lejos nuestros ojos lo ven como variaciones de luz. Aquí el detalle:
La Escala de Valores
Ahora construiremos una herramienta que nos servirá de mucha ayuda para poder dibujar los tonos del sombreado. Esta herramienta se llama “Escala de Valores.” Necesitaremos lo siguiente:
Cartulina (recomendado) o papel grueso blanco
Impresora
Tijeras
Perforador
1. Imprime la Escala en cartulina o, si tu impresora no lo permite, entonces en papel, el más grueso que puedas conseguir. (Haz click aquí para descargar la imagen)
2. Recorta la Escala.
3. Usando el perforador, haz huecos dentro de cada cuadrado de la Escala, para que quede como la foto mostrada abajo.
¿Y para qué sirve la Escala de Valores?
Cuando esté dibujando, por ejemplo, una fotografía con todas sus sombras, la Escala de Valores me sirve para comparar si los tonos (valores) que he dibujado coinciden (o se acercan lo suficiente) a la foto. A ver, veamos… parece que tengo que hacer esto más oscuro.
Habrán ocasiones donde requieres dibujar un valor negro y tu lápiz sólo puede producir un gris que no se acerca nada al negro de la foto original. Una solución es conseguir un lápiz más suave (como el 8B).
En caso contrario, sigue los siguientes pasos:
Pinta el “negro” más negro que puedas obtener con tu lápiz.
Consulta con tu Escala a qué valor corresponde tu “negro.”
Cuenta cuántos recuadros está alejado del negro real. Digamos que sean 3 recuadros más alto. Recuerda ese número.
Entonces, para cada valor que encuentres en la fotografía original, tienes que usar un valor +3 recuadros más alto. Si, por ejemplo, es el recuadro 4 (donde 1 es el recuadro más negro), entonces tienes que usar el recuadro 7 (4+3).
Recuerda: La Escala de Valores es sólo una ayuda
La verdadera utilidad de la Escala de Valores es enseñarnos a nosotros mismos a estimar mejor los valores que vemos. Es una ayuda, no una muleta para depender de ella. No quiero que luego te sea imposible hacer un dibujo sin tener tu Escala de Valores al lado. Mas bien, con la práctica irás aprendiendo mejor a estimar los tonos (valores) y usar la Escala en pocas ocasiones.
Esto quizás suene contradictorio, pero la idea de un dibujo no siempre es reproducir perfectamente todos los tonos (valores) de la fotografía original. Hay mucho de creatividad y sensibilidad cuando acentúas o dejas de lado partes del dibujo para que el ojo sea atraído a aquellas partes que son interesantes o que tú quieres resaltar. Es un tema que veremos más adelante a profundidad, así que brevemente lo diré así: no trates de copiarlo todo como si fueses una máquina fotográfica humana.
Y ahora, ¡a dibujar!
Si no haces esto no serás un buen Dibujante
Derek Sivers es un músico muy entusiasta y un emprendedor modelo. Como músico, una de sus aspiraciones era ser no solamente un buen compositor, sino también un gran cantante. Estuve leyendo un artículo que él escribió donde habla sobre cómo ha sido su progreso en el paso de los años.
A los 14 años, Derek se propuso ser un gran cantante. Pero era malísimo, todos le decían que no era un buen cantante.
A los 17, empezó a tomar clases de voz, y a practicar dos horas cada noche. La práctica fue constante.
A los 18, empezó a salir en giras, como cantante principal.
A los 19, seguía practicando dos horas cada noche. La gente le decía que él no era un cantante, que se rindiese, y que buscase a un cantante verdadero.
A los 25, grabó su primer álbum. Se lo mostró a un mentor importante suyo, el cual le dio una buena y atenta escuchada. ¿Qué creen que le dijo? “Derek, tú no eres un cantante. Necesitas dejar de intentarlo. Admite que eres un compositor de música, y encuentra a un cantante verdadero.”
Derek siguió de giras por tres años. siempre practicando, siempre determinado a ser un gran cantante.
A los 28, empezó a notar que su voz estaba mejorando. Grabó algunas canciones nuevas, y por primera vez, le gustó cómo quedaron.
A los 29, Derek llegó a un nivel en el cual él se veía como un buen cantante. Los 15 años de práctica y 1,000 conciertos en vivo dieron su fruto.
Alguien le escuchó por primera vez y comentó, “Cantar es un talento con el que naces o no. Tienes suerte. ¡Tú naciste con ese talento!”
Con esta anécdota quiero darte ánimos. Si quieres ser un gran dibujante entonces nunca dejes de practicar. Quizás te tome menos de quince años o quizás te tome mucho más. Quizás la gente intente desanimarte y te diga que te rindas o quizás te den un apoyo invaluable e inesperado. Lo importante es que nunca abandones ese lápiz y cultives siempre un insaciable deseo de aprender y mejorar.
Un día, esas miles de hojas llenas de dibujos darán su fruto.
Parte final del curso la practica de toto lo aprendido:
También te dejo el link del próximo tutorial de arte:
Política de cookiesUtilizamos cookies propias y de terceros para analizar nuestros servicios y mostrarte publicidad relacionada con tus preferencias en base a un perfil elaborado a partir de tus hábitos de navegación (por ejemplo páginas visitadas). Puedes obtener más información AQUÍ
