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HISTORIA DEL DIBUJO

El Dibujo en Occidente

Como esfuerzo art√≠stico, el dibujo es casi tan antiguo como la humanidad. En un papel instrumental y subordinado, se desarroll√≥ junto con las otras artes de la antig√ľedad y la Edad Media. Ya sean bocetos preliminares para mosaicos y murales o dibujos arquitect√≥nicos y dise√Īos para estatuas y relieves dentro de la variada producci√≥n art√≠stica del edificio medieval g√≥tico y taller art√≠stico, el dibujo como t√©cnica auxiliar no aut√≥noma estaba subordinada a las otras artes.

Sólo en un sentido muy limitado se puede hablar de centros de dibujo en la temprana y Alta Edad Media; es decir, las escrituras de los monasterios de Corbie y Reims en Francia, así como las de Canterbury y Winchester en Inglaterra, y también algunos lugares en el sur de Alemania, donde se cultivaron varios estilos fuertemente delineadores (gráficos) de iluminación de libros.

El dibujo durante los Siglos XIV, XV y XVI

En Occidente, la historia del dibujo como documento art√≠stico independiente comienza a finales del siglo XIV. Sin embargo, si su desarrollo era independiente, no era insular. As√≠ como los grandes dibujantes han sido en su mayor parte tambi√©n pintores, ilustradores, escultores o arquitectos distinguidos, los centros y los altos puntos de dibujo han coincidido generalmente con las principales localidades y las grandes √©pocas de las otras artes. Adem√°s, los mismos fen√≥menos estil√≠sticos se han expresado en el dibujo como en otras formas de arte. De hecho, el dibujo comparte con otras formas art√≠sticas las caracter√≠sticas del estilo individual, el estilo de la √©poca y los rasgos regionales. Sin embargo, el dibujo difiere en que interpreta y traduce estas caracter√≠sticas en t√©rminos de sus propios medios √ļnicos.

Antonio Pisanello
Antonio Pisanello

El dibujo se convirti√≥ en una forma de arte independiente en el norte de Italia, al principio en el marco de la actividad normal del estudio. Pero con los estudios sobre la naturaleza, las copias de antig√ľedades y los bocetos de los distintos cuadernos de bocetos (ej. los de Giovannino de‚Äô Grassi, Antonio Pisanello y Jacopo Bellini), la tradici√≥n del taller de estudio de Bauh√ľtten cambi√≥ a un trabajo individual: el lugar de los modelos ‚Äúexentos‚ÄĚ, reproducidos formalmente, pasaba a ser subjetivamente probados y parcialmente creativos. A principios del siglo XV, el estilo cl√°sico  de la √©poca todav√≠a predominaba en gran medida sobre la ‚Äúcaligrafia‚ÄĚ individual del dibujante, pero a mediados de siglo, la diferenciaci√≥n del estilo de dibujo seg√ļn la regi√≥n y la personalidad del artista se fij√≥ en ella. Los criterios esenciales, destinados a seguir siendo caracter√≠sticos de generaciones, comienzan a llamar la atenci√≥n.

En el dibujo producido al norte de los Alpes, los rasgos caracter√≠sticos se encuentran en la tendencia a la compacidad pict√≥rica y la ejecuci√≥n precisa del detalle. Muchos pintores realizaron dibujos individuales, pero los dibujantes m√°s notables son el maestro alem√°n del libro de la casa del siglo XV, que por lo dem√°s no hab√≠a sido identificado, y su contempor√°neo Martin Schongauer. Ambos artistas fueron tambi√©n grandes grabadores de cobre, por lo que no siempre es f√°cil determinar si la obra es un bosquejo preliminar o un dibujo independiente.

En los dibujos renacentistas italianos, de los cuales hay muchos, se han puesto de manifiesto especialmente los rasgos estil√≠sticos divergentes de las distintas regiones art√≠sticas. Lo que ten√≠an en com√ļn era la abrumadora importancia del boceto y el estudio, en contraste con los dibujos acabados, mucho m√°s raros. La conexi√≥n formal y tem√°tica con la pintura es muy estrecha incluso cuando no se trataba de dibujos preliminares. Los dibujantes de Venecia y del norte de Italia prefirieron una forma abierta con delineaci√≥n suelta e interrumpida para lograr incluso dibujar el efecto pict√≥rico que correspond√≠a a la imaginaci√≥n de sus pintores.

En el centro de Italia, por otra parte, y sobre todo en Florencia, fue el claro contorno el que predomin√≥, la forma cerrada y fuertemente circunscrita, el car√°cter est√°tico y pl√°stico. De acuerdo con el prop√≥sito funcional del dibujo, los estudios de los artistas individuales (que, como en el caso de la Academia de San Marcos de los M√©dicis, tambi√©n tuvieron que dedicarse a investigaciones educativas y human√≠sticas generales) formaron los centros m√°s significativos del dibujo art√≠stico. En estos grandes estudios, el dibujo no s√≥lo sirvi√≥ para la realizaci√≥n probatoria de ideas creativas, sino que tambien sirvi√≥ para el estudio y mediaci√≥n entre la concepci√≥n y la obra terminada del m√°ster; funcion√≥ tambi√©n como ayuda pedag√≥gica para los asistentes que trabajaban con el m√°ster y como veh√≠culo para la formaci√≥n y preservaci√≥n de una tradici√≥n de taller individual.

Leonardo su ideal de la figura humana

‚ÄúLeonardo su ideal de la figura humana‚ÄĚ

Aunque los intereses cient√≠ficos de Leonardo se expresaron en un gran n√ļmero de dibujos, su ideal de la figura humana se conserva mucho m√°s frecuentemente en los dibujos de sus colaboradores y sucesores que en los suyos propios. Raphael y Miguel √Āngel tambi√©n fueron excelentes redactores. Cada uno de ellos utilizaba el dibujo para madurar sus pensamientos sobre las obras individuales; cada uno ten√≠a un estilo de dibujo muy personal, el de un trazo suave y redondeado, el otro con un trazo intermitente y potente del escultor. Probablemente se hizo mucho dibujo en el estudio de Rafael, sobre todo para la preparaci√≥n de los grabados despu√©s de las composiciones de Rafael. De la mano de Miguel √Āngel salieron los primeros dibujos de los llamados conocedores que se consideran un documento personal. Son los precursores de los dibujos del coleccionista que se iniciaron en el siglo XVI (obras aut√≥nomas, destinadas a colecciones).

Al norte de los Alpes, la autonom√≠a del dibujo fue defendida en primera instancia por Albrecht Durer, un dibujante incansable que dominaba todas las t√©cnicas y ejerc√≠a una influencia duradera y generalizada. El constituyente delineante predomina claramente incluso en sus pinturas. Esto corresponde al car√°cter estil√≠stico general del arte alem√°n del siglo XVI, en el que Matthias Gr√ľnewald, con su estilo pict√≥rico m√°s libre, m√°s amplio y por tanto m√°s pict√≥rico, y los pintores de la escuela del Danubio, con su estilo ornamentado y agitado, representan excepciones significativas. En su metamorfosis de la realidad percibida en dibujos, los paisajes de Albrecht Altdorfer y Wolf Huber, en particular, son documentos sorprendentes de un sentimiento por la naturaleza que casi podr√≠a llamarse rom√°ntico.

Albrecht Durer
Albrecht Durer

Sobrio, incre√≠blemente compacto en su concepto pict√≥rico y, sin embargo, similar al Renacimiento en su visi√≥n objetiva, fueron los dibujos retratados de Hans Holbein, el m√°s joven, cuyas estancias en la Inglaterra del siglo XVI resultaron estimulantes para otros artistas. Similar, aunque menos personal que Holbein por la linealidad m√°s estricta de su obra, fueron los dibujos de los retratistas franceses Jean y Fran√ßois Clouet. En los Pa√≠ses Bajos, donde se combinaron con la imagen idealizada de Italia (como en los dibujos de Lucas van Leyden), los m√©todos de Durero adquirieron una popularidad duradera en los dibujos de paisajes y estudios ‚Äúafter life‚ÄĚ de Pieter Brueghel el Viejo.

Pieter Brueghel el Viejo
Pieter Brueghel el Viejo

El dibujo adquiri√≥ un significado fundamental en el per√≠odo del manierismo (c. 1525-1600), tanto como documento de invenci√≥n art√≠stica como medio para su realizaci√≥n. Jacopo da Pontormo en Florencia, Parmigianino en el norte de Italia, y Tintoretto en Venecia utilizaron el punto y la pluma como veh√≠culos esenciales y espont√°neos de expresi√≥n. Sus dibujos estaban claramente relacionados con su pintura, tanto en su contenido como en el m√©todo gr√°fico de contorneado sensible y de acortamiento.

El dibujo durante los Siglos XVII, XVIII y XIX

A principios del siglo XVII, Jacques Callot cobra protagonismo en el arte francés: dotado sobre todo como dibujante, graba con la pluma sus ingeniosos inventos y grandes relatos ilustrados, principalmente en negritas.

peter paul rubens dibujos
peter paul rubens dibujos

La importancia del dibujo para el crecimiento de un artista y la ampliación de su horizonte queda atestiguada también por la obra de Peter Paul Rubens, cuyos estudios y bocetos forman parte integrante de su obra creativa. Para difundir sus temas pictóricos y su concepto de la forma, mantuvo su propia escuela de dibujantes y grabadores. Entre el círculo de flamencos que lo rodean, Jacob Jordaens y Sir Anthony Van Dyck destacan como dibujantes con un estilo propio.

Hércules Seghers fue uno de los artistas más fascinantes del siglo XVII, creador de paisajes dibujados y grabados que continuó reelaborando mientras experimentaba con los procesos de impresión. Desde el punto de vista de la técnica y de la forma, fue importante para el artista más grande de Holanda, Rembrandt. Seghers combinó una gran inventiva, especialmente en sus interpretaciones de los motivos del Antiguo Testamento, y un amplio dominio de todas las técnicas del dibujo. También en su estudio, el dibujo fue destacado como una ayuda pedagógica y un medio de experimentación formal.

La mayor√≠a de los pintores holandeses del siglo XVII, como la familia van de Velde, Brouwer, van Ostade, Pieter Saenredam y Paulus Potter, tambi√©n fueron dibujantes laboriosos que registraron sus preocupaciones tem√°ticas especiales en dibujos que en gran medida fueron completados. M√°s all√° de servir como preparaci√≥n para la pintura, estas obras se consideraban como obras aut√≥nomas que representaban la etapa final del proceso creativo.

En la Italia del siglo XVII, el dibujo a trav√©s de la pr√°ctica art√≠stica y la experimentaci√≥n se estableci√≥ en las academias, especialmente en Bolonia. M√°s significativo, sin embargo, fue el continuo desarrollo del dibujo paisaj√≠stico, iniciado por los hermanos Agostino y Annibale Carracci y articulado por Domenichino y Salvator Rosa.

claude lorrain dibujos
claude lorrain dibujos

El artista franc√©s Claude Lorrain desarroll√≥ de tal manera el dibujo paisaj√≠stico de la campi√Īa romana que se convirti√≥ casi en un g√©nero propio; en sus obras, a menudo destinadas a la venta, el estudio de la naturaleza y un concepto pict√≥rico idealizado se funden de manera singular. En estudios detallados directamente antes del objeto, adquiri√≥ una validez atemporal. Como Lorrain, Nicolas Poussin tambi√©n dibuj√≥ bajo el cielo abierto. Utilizando diversas t√©cnicas, combin√≥ experiencias realistas y conceptos humanistas idealizando composiciones cuyas figuras y escenas est√°n armoniosamente integradas en un paisaje amplio. Esta pintura y el dibujo al aire libre fue practicado tambi√©n por algunos otros artistas que pasaron un tiempo considerable en Roma ‚Äď los artistas holandeses Jan Asselijn, Claes Berchem, Karel Dujardin y Adam Pijnacker, por ejemplo. Sin embargo, para la mayor√≠a de los artistas del sur de Europa del siglo XVII, el dibujo era un mero escenario en la creaci√≥n de una pintura.

Antoine Watteau tambi√©n hizo dibujos para ‚Äúmantener la mano dentro‚ÄĚ de su pintura, aunque lo hizo con una independencia que le llev√≥ mucho m√°s all√° de la ocasi√≥n inmediata. La mayor√≠a de las figuras de las pinturas de varios per√≠odos de su carrera se basaban en dibujos anteriores. En la gran escala de su forma y la atenci√≥n prestada a los elementos pict√≥ricos, continu√≥ a la manera de Rubens, combin√°ndolo con el esp√≠ritu de la luz del siglo XVIII. La posici√≥n de liderazgo del arte franc√©s en la primera mitad de ese siglo fue confirmada por los logros de Francois Boucher, Jean-Honor√© Fragonard, Hubert Robert y Gabriel de Saint-Aubin, cuyos dibujos incluyen estudios de figura, obras de g√©nero y paisajes.

A diferencia de los dibujantes franceses, que hicieron florecer el m√©todo de los crayones √† trois sobre papel tintado, algunos artistas crearon paisajes similares con pluma y pincel, pero con una abreviatura m√°s objetiva. Hay que mencionar aqu√≠ Venecia, con la familia Giovanni Battista Tiepolo, cuyos dibujos a pluma, concebidos de forma expansiva y lavados con un pincel ancho, evocan el tipo de efecto luminar√≠stico que Francesco Guardi utiliz√≥ tambi√©n para los estudios paisaj√≠sticos y las escenas imaginarias. Estas hab√≠an sido precedidas por las visiones de Canaletto sobre Venecia, compuestas m√°s severamente en cuanto a detalles tect√≥nicos (constructivos) se refiere, pero sin embargo los primeros ejemplos de esta forma del paisaje capriccio, o fantas√≠a. El arquitecto Giovanni Battista Piranesi se dio a conocer principalmente como dibujante que registraba los puntos de vista de Roma; sobre todo, en sus dibujos de arquitectura y b√≥vedas espeluznantes (Carceri), dej√≥ atr√°s un conjunto de obras de gran contundencia intelectual y formal.

arquitecto Giovanni Battista Piranesi

‚Äúarquitecto Giovanni Battista Piranesi‚ÄĚ

El pintor espa√Īol Francisco de Goya, a finales del siglo XVIII y principios del XIX, se adelant√≥ a su √©poca en la forma en que manejaba sus temas. Sus dibujos con pincel y sanguina, que contrastan con los cuadros del pintor de la corte, est√°n m√°s estrechamente ligados a sus ciclos de grabados. Combin√≥ los efectos luminot√©cnicos de los dibujos de Tiepolo con el impacto dram√°tico de un Rembrandt claro-oscuro.

Tambi√©n a finales del siglo XIX, un artista cuya obra principal era la de un dibujante: el caricaturista ingl√©s y sat√≠rico social Thomas Rowlandson, que produc√≠a acuarelas coloridas y distintivas. A finales del siglo XVIII y, m√°s a√ļn, a principios del XIX, se produjo un estilo de dibujo que, de acuerdo con el ideal neocl√°sico y rom√°ntico, volvi√≥ a poner de relieve el elemento lineal. En Jean-Auguste-Dominique Ingres, el neoclasicismo idealista encontr√≥ una expresi√≥n ejemplar de linealidad estricta, y el dibujo a l√°piz se convirti√≥ en una forma cl√°sica.

caricaturista inglés y satírico social Thomas Rowlandson

‚Äúcaricaturista ingl√©s y sat√≠rico social Thomas Rowlandson‚ÄĚ

Los nazarenos y rom√°nticos de Roma y la regi√≥n alpina (Joseph Anton Koch, los hermanos Friedrich y Ferdinand Olivier, y Julius Schnorr von Carolsfeld) as√≠ como los de Alemania del Norte (Philipp Otto Runge y Caspar David Friedrich) eran m√°s l√≠ricos pero igualmente rigurosos en el uso del punto duro; despu√©s de mucho tiempo, fueron los primeros artistas del norte en hacer un significativo Entre los artistas del siglo XIX, el √©nfasis en la delineaci√≥n tambi√©n fue caracter√≠stico de Moritz von Schwind en Alemania y John Millais en Inglaterra. (En la fase neocl√°sica del siglo XX fue renovada, de manera m√°s abierta y ‚Äúmanuscrita‚ÄĚ, por Thomas Eakins en los Estados Unidos, as√≠ como por Picasso, Matisse y Amedeo Modigliani en Francia). Los dibujos de Eug√®ne Delacroix, conservando las cualidades pl√°sticas, muestran un trazo m√°s amplio y por lo tanto m√°s pict√≥rico. Honor√© Daumier, activo en todos los medios principalmente como dibujante, utiliz√≥ efectos claroscuro pict√≥ricos en declaraciones forzadas de cr√≠tica social.

Francia sigui√≥ siendo un centro puntero del arte del dibujo, una forma que recibi√≥ una nota muy personal en cada caso en las obras de Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh y Paul C√©zanne. La l√≠nea -el punto de partida com√ļn para todos los artistas antes mencionados- no desapareci√≥ hasta el plano sombreado de Georges Seurat, hecho a la manera puntillista..

Georges Seurat sombreado a manera puntillista

‚ÄúGeorges Seurat sombreado a manera puntillista‚ÄĚ

El dibujo Moderno

A excepci√≥n de algunas corrientes estil√≠sticas como el tacismo (cuadros formados por manchas irregulares de color), el dibujo est√° representado en la obra de pr√°cticamente todos los artistas del siglo XX; es tan internacional como el arte moderno en s√≠ mismo.

A medida que las otras artes se han vuelto no representativas, alcanzando así autonomía e independencia formal en relación con la realidad externa, el dibujo es más que nunca considerado una obra de arte autónoma, independiente de las otras artes. Algunas escuelas y artistas individuales también se han concentrado en el dibujo y de maneras muy individualistas.

Los Expresionistas Alemanes, por ejemplo, desarrollaron formas de dibujo especialmente enf√°ticas con delineaci√≥n poderosa y descripci√≥n formal forzada e hiperb√≥lica; ejemplos notables son las obras de Ernst Barlach, K√§the Kollwitz, Alfred Kubin, Ernest Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Max Beckmann y George Grosz. En el grupo de artistas Der Blaue Reiter (The Blue Rider), Wassily Kandinsky fue el primero en sentar las bases para una nueva evaluaci√≥n de la l√≠nea no representacional.

Hans Hartung
Hans Hartung

Los dibujos l√≠ricamente sensibles de Paul Klee, realizados con una t√©cnica de pluma de sublimidad inaudita, representan un punto culminante del dibujo moderno. En Francia, el dibujo juega un papel importante, sobre todo en la obra de los pintores de la Escuela de Par√≠s, como Pierre Soulages y Hans Hartung, que consideran la l√≠nea, el marco de l√≠neas y la red de l√≠neas, como manifestaciones primarias de la forma.

Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) y tambi√©n el artista ingl√©s Graham Sutherland pueden ser llamados dibujantes espirituales que ponen su fe en la magia de la l√≠nea. Por √ļltimo, el dibujo ocupa un lugar importante en la obra (incluyendo todas sus variantes de estilo y forma) de Pablo Picasso, que supo aprovechar sus m√ļltiples posibilidades t√©cnicas. Sin duda se justifica llamarlo el mayor dibujante del siglo XX y uno de los m√°s grandes de la historia del dibujo.

Pablo Picasso dibujos
Madre con Hijo Muerto. Sketch para Guernica 9 de mayo de 1937. Pablo Picasso

El dibujo en Oriente

Alguna forma de dibujo monocrom√°tico con tinta puede haberse practicado en China ya en el 2¬ļ milenio a. C.  pero la obra pict√≥rica m√°s antigua es en laca o en vasijas de bronce, contempor√°nea a Alejandro Magno (regido 336-323 a. C.). Se basa en el contorno y la silueta, con hombres y animales representados en registros horizontales (niveles, uno encima del otro) que recuerdan el trabajo egipcio y mediterr√°neo. Todav√≠a no se puede determinar el alcance de cualquier influencia mutua entre Oriente y Occidente.

obra pictórica más antigua

Bajo la dinast√≠a Han oriental (ad 25-220) se produjeron pinturas murales de car√°cter lineal en fresco (yeso h√ļmedo) y secco (seco). S√≥lo en las dinast√≠as Wei (386-534/35) y Tang (618-907) surgi√≥ el verdadero car√°cter del dibujo chino sobre seda o papel. En el siglo VII aparecen los caracter√≠sticos √°lbumes (ceye) de dibujos.

No se hizo ninguna distinci√≥n entre el dibujo y la pintura porque todo el arte pict√≥rico chino era fundamentalmente gr√°fico. El artista trabajaba con la punta fina del pincel sobre papel o seda colocada horizontalmente sobre una mesa. El trabajo en el contorno puro se llamaba baimiao; la tinta aplicada en las salpicaduras, pomo. El color se usaba escasamente o no se utilizaba en absoluto. El trabajo final no se hizo directamente de la naturaleza.

Las pinturas hind√ļes y budistas de Ajanta (India) y de Sri Lanka revelan la cualidad esencial de todo el arte indio: √©nfasis en un contorno r√≠tmico y fluido para expresar movimiento y gesto. Los dibujos sobre la hoja de palma del siglo XI se basan igualmente en el uso de la l√≠nea para representar escenas mitol√≥gicas.

pinturas persas e indias

En el siglo XIV se produjo el papel, introducido desde China, permitiendo la producci√≥n del libro vertical. A pesar de la prohibici√≥n musulmana de la representaci√≥n humana, en las cortes persas y mogolesas se produc√≠an libros ilustrados con dibujos, a veces con colores decorativos planos, pero no para exhibici√≥n p√ļblica. El uso de una l√≠nea precisa y expresiva constituy√≥ la base de las pinturas en miniatura persas e indias (mughal y Rajput) que muestran a las personas en el paisaje o en relaci√≥n con los edificios.

El arte japonés siguió el de China hasta principios del siglo XIX, cuando se introdujo el popular estampado en color. En los gestos femeninos de la obra de Utamaro, el amor oriental por el contorno fluyente es manifiesto, sus líneas varían en anchura y densidad. Los dibujos de Hokusai sobre la vida social en una vena humorística, casi grotesca, revelan su dominio total de la línea expresiva.

la historia del arte, también llamada historiografía del arte, estudio histórico

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