HISTORIA DEL DIBUJO

El Dibujo en Occidente

Como esfuerzo artístico, el dibujo es casi tan antiguo como la humanidad. En un papel instrumental y subordinado, se desarrolló junto con las otras artes de la antigüedad y la Edad Media. Ya sean bocetos preliminares para mosaicos y murales o dibujos arquitectónicos y diseños para estatuas y relieves dentro de la variada producción artística del edificio medieval gótico y taller artístico, el dibujo como técnica auxiliar no autónoma estaba subordinada a las otras artes.

Sólo en un sentido muy limitado se puede hablar de centros de dibujo en la temprana y Alta Edad Media; es decir, las escrituras de los monasterios de Corbie y Reims en Francia, así como las de Canterbury y Winchester en Inglaterra, y también algunos lugares en el sur de Alemania, donde se cultivaron varios estilos fuertemente delineadores (gráficos) de iluminación de libros.

El dibujo durante los Siglos XIV, XV y XVI

En Occidente, la historia del dibujo como documento artístico independiente comienza a finales del siglo XIV. Sin embargo, si su desarrollo era independiente, no era insular. Así como los grandes dibujantes han sido en su mayor parte también pintores, ilustradores, escultores o arquitectos distinguidos, los centros y los altos puntos de dibujo han coincidido generalmente con las principales localidades y las grandes épocas de las otras artes. Además, los mismos fenómenos estilísticos se han expresado en el dibujo como en otras formas de arte. De hecho, el dibujo comparte con otras formas artísticas las características del estilo individual, el estilo de la época y los rasgos regionales. Sin embargo, el dibujo difiere en que interpreta y traduce estas características en términos de sus propios medios únicos.

Antonio Pisanello
Antonio Pisanello

El dibujo se convirtió en una forma de arte independiente en el norte de Italia, al principio en el marco de la actividad normal del estudio. Pero con los estudios sobre la naturaleza, las copias de antigüedades y los bocetos de los distintos cuadernos de bocetos (ej. los de Giovannino de’ Grassi, Antonio Pisanello y Jacopo Bellini), la tradición del taller de estudio de Bauhütten cambió a un trabajo individual: el lugar de los modelos “exentos”, reproducidos formalmente, pasaba a ser subjetivamente probados y parcialmente creativos. A principios del siglo XV, el estilo clásico  de la época todavía predominaba en gran medida sobre la “caligrafia” individual del dibujante, pero a mediados de siglo, la diferenciación del estilo de dibujo según la región y la personalidad del artista se fijó en ella. Los criterios esenciales, destinados a seguir siendo característicos de generaciones, comienzan a llamar la atención.

En el dibujo producido al norte de los Alpes, los rasgos característicos se encuentran en la tendencia a la compacidad pictórica y la ejecución precisa del detalle. Muchos pintores realizaron dibujos individuales, pero los dibujantes más notables son el maestro alemán del libro de la casa del siglo XV, que por lo demás no había sido identificado, y su contemporáneo Martin Schongauer. Ambos artistas fueron también grandes grabadores de cobre, por lo que no siempre es fácil determinar si la obra es un bosquejo preliminar o un dibujo independiente.

En los dibujos renacentistas italianos, de los cuales hay muchos, se han puesto de manifiesto especialmente los rasgos estilísticos divergentes de las distintas regiones artísticas. Lo que tenían en común era la abrumadora importancia del boceto y el estudio, en contraste con los dibujos acabados, mucho más raros. La conexión formal y temática con la pintura es muy estrecha incluso cuando no se trataba de dibujos preliminares. Los dibujantes de Venecia y del norte de Italia prefirieron una forma abierta con delineación suelta e interrumpida para lograr incluso dibujar el efecto pictórico que correspondía a la imaginación de sus pintores.

En el centro de Italia, por otra parte, y sobre todo en Florencia, fue el claro contorno el que predominó, la forma cerrada y fuertemente circunscrita, el carácter estático y plástico. De acuerdo con el propósito funcional del dibujo, los estudios de los artistas individuales (que, como en el caso de la Academia de San Marcos de los Médicis, también tuvieron que dedicarse a investigaciones educativas y humanísticas generales) formaron los centros más significativos del dibujo artístico. En estos grandes estudios, el dibujo no sólo sirvió para la realización probatoria de ideas creativas, sino que tambien sirvió para el estudio y mediación entre la concepción y la obra terminada del máster; funcionó también como ayuda pedagógica para los asistentes que trabajaban con el máster y como vehículo para la formación y preservación de una tradición de taller individual.

Leonardo su ideal de la figura humana

“Leonardo su ideal de la figura humana”

Aunque los intereses científicos de Leonardo se expresaron en un gran número de dibujos, su ideal de la figura humana se conserva mucho más frecuentemente en los dibujos de sus colaboradores y sucesores que en los suyos propios. Raphael y Miguel Ángel también fueron excelentes redactores. Cada uno de ellos utilizaba el dibujo para madurar sus pensamientos sobre las obras individuales; cada uno tenía un estilo de dibujo muy personal, el de un trazo suave y redondeado, el otro con un trazo intermitente y potente del escultor. Probablemente se hizo mucho dibujo en el estudio de Rafael, sobre todo para la preparación de los grabados después de las composiciones de Rafael. De la mano de Miguel Ángel salieron los primeros dibujos de los llamados conocedores que se consideran un documento personal. Son los precursores de los dibujos del coleccionista que se iniciaron en el siglo XVI (obras autónomas, destinadas a colecciones).

Al norte de los Alpes, la autonomía del dibujo fue defendida en primera instancia por Albrecht Durer, un dibujante incansable que dominaba todas las técnicas y ejercía una influencia duradera y generalizada. El constituyente delineante predomina claramente incluso en sus pinturas. Esto corresponde al carácter estilístico general del arte alemán del siglo XVI, en el que Matthias Grünewald, con su estilo pictórico más libre, más amplio y por tanto más pictórico, y los pintores de la escuela del Danubio, con su estilo ornamentado y agitado, representan excepciones significativas. En su metamorfosis de la realidad percibida en dibujos, los paisajes de Albrecht Altdorfer y Wolf Huber, en particular, son documentos sorprendentes de un sentimiento por la naturaleza que casi podría llamarse romántico.

Albrecht Durer
Albrecht Durer

Sobrio, increíblemente compacto en su concepto pictórico y, sin embargo, similar al Renacimiento en su visión objetiva, fueron los dibujos retratados de Hans Holbein, el más joven, cuyas estancias en la Inglaterra del siglo XVI resultaron estimulantes para otros artistas. Similar, aunque menos personal que Holbein por la linealidad más estricta de su obra, fueron los dibujos de los retratistas franceses Jean y François Clouet. En los Países Bajos, donde se combinaron con la imagen idealizada de Italia (como en los dibujos de Lucas van Leyden), los métodos de Durero adquirieron una popularidad duradera en los dibujos de paisajes y estudios “after life” de Pieter Brueghel el Viejo.

Pieter Brueghel el Viejo
Pieter Brueghel el Viejo

El dibujo adquirió un significado fundamental en el período del manierismo (c. 1525-1600), tanto como documento de invención artística como medio para su realización. Jacopo da Pontormo en Florencia, Parmigianino en el norte de Italia, y Tintoretto en Venecia utilizaron el punto y la pluma como vehículos esenciales y espontáneos de expresión. Sus dibujos estaban claramente relacionados con su pintura, tanto en su contenido como en el método gráfico de contorneado sensible y de acortamiento.

El dibujo durante los Siglos XVII, XVIII y XIX

A principios del siglo XVII, Jacques Callot cobra protagonismo en el arte francés: dotado sobre todo como dibujante, graba con la pluma sus ingeniosos inventos y grandes relatos ilustrados, principalmente en negritas.

peter paul rubens dibujos
peter paul rubens dibujos

La importancia del dibujo para el crecimiento de un artista y la ampliación de su horizonte queda atestiguada también por la obra de Peter Paul Rubens, cuyos estudios y bocetos forman parte integrante de su obra creativa. Para difundir sus temas pictóricos y su concepto de la forma, mantuvo su propia escuela de dibujantes y grabadores. Entre el círculo de flamencos que lo rodean, Jacob Jordaens y Sir Anthony Van Dyck destacan como dibujantes con un estilo propio.

Hércules Seghers fue uno de los artistas más fascinantes del siglo XVII, creador de paisajes dibujados y grabados que continuó reelaborando mientras experimentaba con los procesos de impresión. Desde el punto de vista de la técnica y de la forma, fue importante para el artista más grande de Holanda, Rembrandt. Seghers combinó una gran inventiva, especialmente en sus interpretaciones de los motivos del Antiguo Testamento, y un amplio dominio de todas las técnicas del dibujo. También en su estudio, el dibujo fue destacado como una ayuda pedagógica y un medio de experimentación formal.

La mayoría de los pintores holandeses del siglo XVII, como la familia van de Velde, Brouwer, van Ostade, Pieter Saenredam y Paulus Potter, también fueron dibujantes laboriosos que registraron sus preocupaciones temáticas especiales en dibujos que en gran medida fueron completados. Más allá de servir como preparación para la pintura, estas obras se consideraban como obras autónomas que representaban la etapa final del proceso creativo.

En la Italia del siglo XVII, el dibujo a través de la práctica artística y la experimentación se estableció en las academias, especialmente en Bolonia. Más significativo, sin embargo, fue el continuo desarrollo del dibujo paisajístico, iniciado por los hermanos Agostino y Annibale Carracci y articulado por Domenichino y Salvator Rosa.

claude lorrain dibujos
claude lorrain dibujos

El artista francés Claude Lorrain desarrolló de tal manera el dibujo paisajístico de la campiña romana que se convirtió casi en un género propio; en sus obras, a menudo destinadas a la venta, el estudio de la naturaleza y un concepto pictórico idealizado se funden de manera singular. En estudios detallados directamente antes del objeto, adquirió una validez atemporal. Como Lorrain, Nicolas Poussin también dibujó bajo el cielo abierto. Utilizando diversas técnicas, combinó experiencias realistas y conceptos humanistas idealizando composiciones cuyas figuras y escenas están armoniosamente integradas en un paisaje amplio. Esta pintura y el dibujo al aire libre fue practicado también por algunos otros artistas que pasaron un tiempo considerable en Roma – los artistas holandeses Jan Asselijn, Claes Berchem, Karel Dujardin y Adam Pijnacker, por ejemplo. Sin embargo, para la mayoría de los artistas del sur de Europa del siglo XVII, el dibujo era un mero escenario en la creación de una pintura.

Antoine Watteau también hizo dibujos para “mantener la mano dentro” de su pintura, aunque lo hizo con una independencia que le llevó mucho más allá de la ocasión inmediata. La mayoría de las figuras de las pinturas de varios períodos de su carrera se basaban en dibujos anteriores. En la gran escala de su forma y la atención prestada a los elementos pictóricos, continuó a la manera de Rubens, combinándolo con el espíritu de la luz del siglo XVIII. La posición de liderazgo del arte francés en la primera mitad de ese siglo fue confirmada por los logros de Francois Boucher, Jean-Honoré Fragonard, Hubert Robert y Gabriel de Saint-Aubin, cuyos dibujos incluyen estudios de figura, obras de género y paisajes.

A diferencia de los dibujantes franceses, que hicieron florecer el método de los crayones à trois sobre papel tintado, algunos artistas crearon paisajes similares con pluma y pincel, pero con una abreviatura más objetiva. Hay que mencionar aquí Venecia, con la familia Giovanni Battista Tiepolo, cuyos dibujos a pluma, concebidos de forma expansiva y lavados con un pincel ancho, evocan el tipo de efecto luminarístico que Francesco Guardi utilizó también para los estudios paisajísticos y las escenas imaginarias. Estas habían sido precedidas por las visiones de Canaletto sobre Venecia, compuestas más severamente en cuanto a detalles tectónicos (constructivos) se refiere, pero sin embargo los primeros ejemplos de esta forma del paisaje capriccio, o fantasía. El arquitecto Giovanni Battista Piranesi se dio a conocer principalmente como dibujante que registraba los puntos de vista de Roma; sobre todo, en sus dibujos de arquitectura y bóvedas espeluznantes (Carceri), dejó atrás un conjunto de obras de gran contundencia intelectual y formal.

arquitecto Giovanni Battista Piranesi

“arquitecto Giovanni Battista Piranesi”

El pintor español Francisco de Goya, a finales del siglo XVIII y principios del XIX, se adelantó a su época en la forma en que manejaba sus temas. Sus dibujos con pincel y sanguina, que contrastan con los cuadros del pintor de la corte, están más estrechamente ligados a sus ciclos de grabados. Combinó los efectos luminotécnicos de los dibujos de Tiepolo con el impacto dramático de un Rembrandt claro-oscuro.

También a finales del siglo XIX, un artista cuya obra principal era la de un dibujante: el caricaturista inglés y satírico social Thomas Rowlandson, que producía acuarelas coloridas y distintivas. A finales del siglo XVIII y, más aún, a principios del XIX, se produjo un estilo de dibujo que, de acuerdo con el ideal neoclásico y romántico, volvió a poner de relieve el elemento lineal. En Jean-Auguste-Dominique Ingres, el neoclasicismo idealista encontró una expresión ejemplar de linealidad estricta, y el dibujo a lápiz se convirtió en una forma clásica.

caricaturista inglés y satírico social Thomas Rowlandson

“caricaturista inglés y satírico social Thomas Rowlandson”

Los nazarenos y románticos de Roma y la región alpina (Joseph Anton Koch, los hermanos Friedrich y Ferdinand Olivier, y Julius Schnorr von Carolsfeld) así como los de Alemania del Norte (Philipp Otto Runge y Caspar David Friedrich) eran más líricos pero igualmente rigurosos en el uso del punto duro; después de mucho tiempo, fueron los primeros artistas del norte en hacer un significativo Entre los artistas del siglo XIX, el énfasis en la delineación también fue característico de Moritz von Schwind en Alemania y John Millais en Inglaterra. (En la fase neoclásica del siglo XX fue renovada, de manera más abierta y “manuscrita”, por Thomas Eakins en los Estados Unidos, así como por Picasso, Matisse y Amedeo Modigliani en Francia). Los dibujos de Eugène Delacroix, conservando las cualidades plásticas, muestran un trazo más amplio y por lo tanto más pictórico. Honoré Daumier, activo en todos los medios principalmente como dibujante, utilizó efectos claroscuro pictóricos en declaraciones forzadas de crítica social.

Francia siguió siendo un centro puntero del arte del dibujo, una forma que recibió una nota muy personal en cada caso en las obras de Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh y Paul Cézanne. La línea -el punto de partida común para todos los artistas antes mencionados- no desapareció hasta el plano sombreado de Georges Seurat, hecho a la manera puntillista..

Georges Seurat sombreado a manera puntillista

“Georges Seurat sombreado a manera puntillista”

El dibujo Moderno

A excepción de algunas corrientes estilísticas como el tacismo (cuadros formados por manchas irregulares de color), el dibujo está representado en la obra de prácticamente todos los artistas del siglo XX; es tan internacional como el arte moderno en sí mismo.

A medida que las otras artes se han vuelto no representativas, alcanzando así autonomía e independencia formal en relación con la realidad externa, el dibujo es más que nunca considerado una obra de arte autónoma, independiente de las otras artes. Algunas escuelas y artistas individuales también se han concentrado en el dibujo y de maneras muy individualistas.

Los Expresionistas Alemanes, por ejemplo, desarrollaron formas de dibujo especialmente enfáticas con delineación poderosa y descripción formal forzada e hiperbólica; ejemplos notables son las obras de Ernst Barlach, Käthe Kollwitz, Alfred Kubin, Ernest Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Max Beckmann y George Grosz. En el grupo de artistas Der Blaue Reiter (The Blue Rider), Wassily Kandinsky fue el primero en sentar las bases para una nueva evaluación de la línea no representacional.

Hans Hartung
Hans Hartung

Los dibujos líricamente sensibles de Paul Klee, realizados con una técnica de pluma de sublimidad inaudita, representan un punto culminante del dibujo moderno. En Francia, el dibujo juega un papel importante, sobre todo en la obra de los pintores de la Escuela de París, como Pierre Soulages y Hans Hartung, que consideran la línea, el marco de líneas y la red de líneas, como manifestaciones primarias de la forma.

Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) y también el artista inglés Graham Sutherland pueden ser llamados dibujantes espirituales que ponen su fe en la magia de la línea. Por último, el dibujo ocupa un lugar importante en la obra (incluyendo todas sus variantes de estilo y forma) de Pablo Picasso, que supo aprovechar sus múltiples posibilidades técnicas. Sin duda se justifica llamarlo el mayor dibujante del siglo XX y uno de los más grandes de la historia del dibujo.

Pablo Picasso dibujos
Madre con Hijo Muerto. Sketch para Guernica 9 de mayo de 1937. Pablo Picasso

El dibujo en Oriente

Alguna forma de dibujo monocromático con tinta puede haberse practicado en China ya en el 2º milenio a. C.  pero la obra pictórica más antigua es en laca o en vasijas de bronce, contemporánea a Alejandro Magno (regido 336-323 a. C.). Se basa en el contorno y la silueta, con hombres y animales representados en registros horizontales (niveles, uno encima del otro) que recuerdan el trabajo egipcio y mediterráneo. Todavía no se puede determinar el alcance de cualquier influencia mutua entre Oriente y Occidente.

obra pictórica más antigua

Bajo la dinastía Han oriental (ad 25-220) se produjeron pinturas murales de carácter lineal en fresco (yeso húmedo) y secco (seco). Sólo en las dinastías Wei (386-534/35) y Tang (618-907) surgió el verdadero carácter del dibujo chino sobre seda o papel. En el siglo VII aparecen los característicos álbumes (ceye) de dibujos.

No se hizo ninguna distinción entre el dibujo y la pintura porque todo el arte pictórico chino era fundamentalmente gráfico. El artista trabajaba con la punta fina del pincel sobre papel o seda colocada horizontalmente sobre una mesa. El trabajo en el contorno puro se llamaba baimiao; la tinta aplicada en las salpicaduras, pomo. El color se usaba escasamente o no se utilizaba en absoluto. El trabajo final no se hizo directamente de la naturaleza.

Las pinturas hindúes y budistas de Ajanta (India) y de Sri Lanka revelan la cualidad esencial de todo el arte indio: énfasis en un contorno rítmico y fluido para expresar movimiento y gesto. Los dibujos sobre la hoja de palma del siglo XI se basan igualmente en el uso de la línea para representar escenas mitológicas.

pinturas persas e indias

En el siglo XIV se produjo el papel, introducido desde China, permitiendo la producción del libro vertical. A pesar de la prohibición musulmana de la representación humana, en las cortes persas y mogolesas se producían libros ilustrados con dibujos, a veces con colores decorativos planos, pero no para exhibición pública. El uso de una línea precisa y expresiva constituyó la base de las pinturas en miniatura persas e indias (mughal y Rajput) que muestran a las personas en el paisaje o en relación con los edificios.

El arte japonés siguió el de China hasta principios del siglo XIX, cuando se introdujo el popular estampado en color. En los gestos femeninos de la obra de Utamaro, el amor oriental por el contorno fluyente es manifiesto, sus líneas varían en anchura y densidad. Los dibujos de Hokusai sobre la vida social en una vena humorística, casi grotesca, revelan su dominio total de la línea expresiva.

la historia del arte, también llamada historiografía del arte, estudio histórico

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