El arte abstracto (a veces llamado arte no objetivo) es una pintura o escultura que no representa a una persona, lugar o cosa en el mundo natural. En el arte abstracto, el tema de la obra se basa en lo que se ve: el color, las formas, las pinceladas, el tamaño, la escala y, en algunos casos, el proceso mismo, como en la pintura de acción.
Los artistas abstractos se esfuerzan por ser no-objetivos y no-representativos, permitiendo al espectador interpretar el significado de cada obra a su manera.
No es una visión del mundo exagerada o distorsionada como la que vemos en las pinturas cubistas de Paul Cézanne y Pablo Picasso, pues presentan una especie de realismo conceptual. En su lugar, la forma y el color se convierten en el foco y el tema de la pieza.
Mientras que algunas personas pueden argumentar que el arte abstracto no requiere las habilidades técnicas del arte representacional, otras podrían diferir. De hecho, se ha convertido en uno de los principales debates del arte moderno.
“De todas las artes, la pintura abstracta es la más difícil. Exige que sepas dibujar bien, que tengas una mayor sensibilidad por la composición y los colores, y que seas un verdadero poeta. Esta última es esencial”. -Wassily Kandinsky.
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¿Qué Es El Arte Abstracto?
Por la definición más exacta técnicamente del término, el arte abstracto es el arte que comienza con algo real -un objeto, una escena, una figura- y lo representa de una manera que de alguna manera se aparta de la realidad, casi siempre en un intento por extraer la esencia emocional o intelectual de una imagen compleja. La abstracción en el arte típicamente simplifica los objetos que representa, reduciendo las formas tridimensionales a áreas planas de color y eliminando detalles no esenciales de la imagen. Los tipos de abstracción más complicados experimentan con técnicas como mostrar objetos desde múltiples puntos de vista.
A medida que la abstracción se hace más pronunciada, el espectador típico puede tener problemas para discernir el tema de la imagen. Los artistas abstractos alteran los colores, distorsionan la representación del espacio tridimensional, simplifican las formas e ignoran las reglas de la perspectiva; todas estas técnicas, cuando se practican hasta el extremo, tienden a hacer irreconocibles a sus sujetos ante los espectadores acostumbrados a las imágenes que intentan imitar la realidad.
Un cuadro que usa técnicas de abstracción para alterar su objeto -pero que todavía hace una referencia definida a ese sujeto- es referido como un ejemplo de abstracción parcial. Las formas extremas de abstracción, sin embargo, intentan divorciarse por completo de la representación de la realidad, una meta llamada abstracción total.
El arte que no hace referencia a ningún tema real -pero que es algo tan simple como las formas geométricas o los campos de color- se llama con más precisión arte no representacional, no objetivo o no configurativo, pero estos cuadros son comúnmente llamados arte abstracto. Estas imágenes no intentan representar nada en el mundo real, sino que se esfuerzan por imitar nada fuera de sí mismos y no ser más que lo que son.
Los Orígenes Del Arte Abstracto.
Los historiadores de arte típicamente identifican el comienzo del siglo 20 como un momento histórico importante en la historia del arte abstracto. Durante este tiempo, los artistas trabajaron para crear lo que definieron como “arte puro” – obras creativas que no se basaban en percepciones visuales, sino en la imaginación del artista.
Entre las obras más influyentes de este período destacan “Imagen con un círculo” (1911) del artista ruso Wassily Kandinsky y “Caoutchouc” de Francis Picabia (1909).
Cabe señalar, sin embargo, que las raíces del arte abstracto se remontan mucho más atrás. Movimientos artísticos anteriores, como el impresionismo y el expresionismo del siglo XIX, estaban experimentando con la idea de que la pintura puede captar emociones y subjetividad.
No tiene por qué centrarse simplemente en percepciones visuales aparentemente objetivas.
Volviendo aún más atrás, muchas pinturas rupestres antiguas, patrones textiles y diseños de cerámica capturaron una realidad simbólica en lugar de intentar presentar objetos como los vemos.
El arte prehistórico más antiguo, con sus símbolos geométricos y representaciones simplificadas de animales y seres humanos, puede considerarse arte abstracto, y gran parte de la historia del arte puede caracterizarse como una progresión desde esta abstracción inicial hasta imitaciones cada vez más precisas de la realidad. No fue hasta el siglo XIX que los artistas, consciente y en gran número, empezaron a avanzar en la dirección opuesta, de lo naturalista a lo abstracto.
Cerca de mediados del siglo XIX, los artistas europeos comenzaron a experimentar con el color y la forma de maneras audaces que sentarían las bases para el arte abstracto posterior. Pintores románticos como J. M. W. Turner, por ejemplo, empleó técnicas de abstracción en su búsqueda por representar el poder y la grandeza de la naturaleza. Turner’s Rain, Steam and Speed – The Great Western Railway (1844) describe un tren que cruza un río a través de un puente ferroviario, pero la imagen es esencialmente una explosión de vigorosas pinceladas que representan la escena con un mínimo de detalle.
Pintores impresionistas como Claude Monet y Pierre-Auguste Renoir también intercambiaron los detalles naturalistas por la abstracción en sus pinturas, y sus temas a menudo se simplifican considerablemente.
Incluso más que el puente ferroviario de Turner, los barcos, edificios y el agua de La impresión de Monet, “Sol naciente” (1872) se reducen al uso económico de pinceladas y manchas de color. Los críticos de este nuevo estilo bautizaron las pinturas como “impresionismo” porque los cuadros sólo daban una impresión de realidad, en vez de una imitación de la naturaleza completamente detallada.
Después de los impresionistas, el avance hacia la abstracción total comenzó en serio, a medida que pintores como Vincent Van Gogh y Paul Gauguin comenzaron a privilegiar cada vez más el color y la técnica sobre la representación precisa del mundo real; estos post-impresionistas dieron un paso más allá del impresionismo, ya que, además de sus alteraciones de color y textura, manipularon la representación del espacio tridimensional. Paul Cézanne fue aún más lejos, tratando de reducir la representación de objetos reales a simples formas geométricas-cubos, conos y esferas-y áreas planas de color.
Fauvismo y Dadaísmo
A principios del siglo XX, varios movimientos artísticos desarrollaron estilos que separaban definitivamente al arte de su obligación de imitar el mundo real. Estos movimientos se concentraban tanto en la técnica – los detalles de cómo poner la pintura sobre el lienzo – como en la filosofía del arte mismo – si el arte debería tratar de poner pintura sobre el lienzo. Cuando el polvo se asentó, el futuro de la abstracción en el arte estaba asegurado.
En el Salón de Otoño de 1905 en París, un grupo de artistas expuso pinturas que fueron descritas por un crítico como obra de “les fauves”, o bestias salvajes. Las pinturas eran extremadamente audaces en su uso de colores, tonos vibrantes que se parecían muy poco al color del mundo real de sus sujetos. El más controvertido de los cuadros fue Mujer con un sombrero de Henri Matisse.
Los rasgos verdes, amarillos y anaranjados del sujeto encajan en una paleta de colores que también incluye púrpura brillante, azul y rojo. Aún más significativo en términos de abstracción, el espacio de la pintura es decididamente poco realista; el fondo del cuadro es un conjunto plano de manchas de color, y el sujeto en sí mismo está compuesto principalmente de bloques de color.
Aunque no es un movimiento que fije específicamente la abstracción como meta, el dadaísmo es importante en el desarrollo del arte abstracto debido a su intento de liberar el arte de las tradiciones del pasado. Los dadaístas argumentaban que las tradiciones de la sociedad -que incluían las tradiciones del arte- habían llevado al mundo a una época de guerra y que era necesario romper con estas tradiciones. El arte dadaísta se posicionó como lo opuesto al arte tradicional; donde el arte tradicional era hermoso, el arte dadaísta era ofensivo, y donde el arte tradicional imitaba al mundo real, el arte dadaísta perseguía el absurdo.
La pieza más famosa del arte dadaísta es la Fuente de Marcel Duchamp (1917), un urinario que Duchamp firmó y colgó en la pared de una galería.
Cubismo
Artistas Abstractos Su Influencia Temprana
Kandinsky (1866-1944) es considerado a menudo como uno de los artistas abstractos más influyentes. Una visión de cómo su estilo se desarrolló a lo largo de los años es una mirada fascinante del movimiento a medida que progresaba de lo representativo a lo abstracto puro. También fue experto en explicar cómo un artista abstracto puede usar el color para dar un propósito de trabajo aparentemente sin sentido.
Kandinsky creía que los colores provocan emociones. El rojo era vivaz y confiado; el verde era pacífico con fuerza interior; el azul era profundo y sobrenatural; el amarillo podía ser cálido, excitante, perturbador o totalmente loco; y el blanco parecía silencioso pero lleno de posibilidades. También asignó tonos de instrumentos para cada color. El rojo sonaba como una trompeta; el verde como un violín de posición media; el azul claro como una flauta; el azul oscuro como un violonchelo, el amarillo como una fanfarria de trompetas; el blanco como la pausa en una melodía armoniosa.
Estas analogías con los sonidos provienen del aprecio de Kandinsky por la música, especialmente del compositor vienés Arnold Schoenberg (1874-1951).
Los títulos de Kandinsky a menudo se refieren a los colores de la composición o a la música, por ejemplo,”Improvisación 28″ y “Composición II”.
El artista francés Robert Delaunay (1885-1941) perteneció al grupo Jinete azul de Kandinsky (Die Blaue Reiter). Con su esposa, Sonia Delaunay-Turk (1885-1979), nacida en Rusia, ambos gravitaron hacia la abstracción en su propio movimiento, el Orfismo o Cubismo Órfico.
Ejemplos de Arte Abstracto
Hoy en día, el arte abstracto es a menudo un término general que abarca una amplia gama de estilos y movimientos artísticos, cada uno con su propio estilo y definición. Se incluyen en esto el arte no representativo, el arte no objetivo, el expresionismo abstracto, el arte informal, e incluso algo de arte óptico. El arte abstracto puede ser gestual, geométrico, fluido o figurativo (implicando cosas que no son visuales como la emoción, el sonido o la espiritualidad).
Aunque tendemos a asociar el arte abstracto con la pintura y la escultura, puede aplicarse a cualquier medio visual, incluyendo el ensamblaje y la fotografía. Sin embargo, son los pintores los que más atención reciben en este movimiento. Hay muchos artistas notables más allá de Kandinsky que representan los diversos enfoques que se pueden dar al arte abstracto y que han tenido una influencia considerable en el arte moderno.
Carlo Carrà (1881-1966)
Ffue un pintor italiano que puede ser mejor conocido por su trabajo en el Futurismo. A lo largo de su carrera, trabajó también en el Cubismo y muchas de sus pinturas fueron abstracciones de la realidad. Sin embargo, su manifiesto “Pintura de sonidos, ruidos y olores” (1913) influyó en muchos artistas abstractos. Explica su fascinación por la sinestesia, una impresión de los sentidos, que está en el corazón de muchas obras de arte abstractas.
Umberto Boccioni (1882-1916)
Fue otro futurista italiano que se centró en las formas geométricas y fue fuertemente influenciado por el cubismo. Su trabajo a menudo representa el movimiento físico como se ve en “Estados de la Mente” (1911). Esta serie de tres pinturas captura el movimiento y la emoción de una estación de tren en lugar de la representación física de pasajeros y trenes.
Kazimir Malevich (1878-1935)
Fue un pintor ruso al que muchos atribuyen el mérito de ser pionero del arte abstracto geométrico. Una de sus obras más conocidas es “Plaza Negra” (1915). Es simplista pero absolutamente fascinante para los historiadores de arte porque, como menciona un análisis,”Es la primera vez que alguien hace una pintura que no es de algo”.
Jackson Pollock (1912-1956)
Un pintor estadounidense, es a menudo considerado como la representación ideal del expresionismo abstracto o pintura de acción.
Su obra es más que gotas y salpicaduras de pintura sobre lienzo, pero totalmente gestual y rítmica y a menudo emplea técnicas muy poco tradicionales. Por ejemplo,”Full Fathom Five” (1947) es un óleo sobre lienzo creado, en parte, con tachuelas, monedas, cigarrillos y mucho más. Algunos de sus trabajos, tales como “There Were Seven in Eight” (1945) son más grandes que la vida, extendiéndose a lo largo de ocho pies de ancho.
Mark Rothko (1903-1970)
Llevó los abstractos geométricos de Malevich a un nuevo nivel de modernismo con la pintura en color. Este pintor estadounidense se levantó en la década de 1940 y simplificó el color en un tema independiente, redefiniendo el arte abstracto para la siguiente generación. Sus pinturas, como “Cuatro Oscuros en Rojo” (1958) y “Naranja, Rojo y Amarillo” (1961), destacan tanto por su estilo como por su tamaño.
